Las arañas y sus telas son las protagonistas exclusivas de la muestra de Tomás Saraceno

Las arañas y sus telas son las protagonistas exclusivas de la muestra de Tomás Saraceno

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Se trata una constelación de kilómetros de telas de araña fabricada en los últimos meses por 7.000 arañas de la especie Parawixia bistriata. Se podrá visitar hasta agosto en el Museo Mamba

"Tomás Saraceno: Cómo atrapar el universo en una telaraña", la primera exposición individual en un museo argentino del artista tucumano afincado en Berlín, una constelación de kilómetros de telas de araña fabricada en los últimos meses por 7.000 arañas de la especie Parawixia bistriata.

La ciencia y el arte se balancean con total naturalidad en la obra de este arquitecto nacido en 1973, al punto de que sus singulares creaciones llaman la atención por igual tanto desde la Bienal de Venecia como del Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT), y desde el Museo Metropolitano de Nueva York hasta la Nasa, siempre a raíz de sus investigaciones en torno a las telas de arañas, un proyecto que ya lleva casi diez años y que lo convirtió en la única persona en el mundo que posee una colección de telas de arañas.
En la primera sala, miles de arañas -que ya no están- han tejido kilómetros de telas de finísimos hilos de seda que prácticamente brillan en la sala casi en penumbras, una pieza rara de describir y clasificar. Hay que moverse con cuidado y observar detenidamente para no perderse los detalles de esta construcción original. En tanto, en el subsuelo, los visitantes pueden asistir a una suerte de concierto cósmico, protagonizado por una araña, su fascinante tela y las partículas de polvo presentes en el espacio cuyos movimientos producen un sonido que amplificado retumba en el ambiente.

“Hace 140 millones de años que las arañas están en la tierra. Esta muestra implica ponerlas en el centro de la escena. Es entrar en confianza con esta especie y la posibilidad de colaborar en todo sentido, algo que las especies tienen que hacer más profundamente. Salir del antropoceno, de esta era centrada en el hombre, para poder, en algún momento, vivir y coexistir con otras especies”, dice a Télam Tomás Saraceno, de una rara cadencia al hablar luego de tantos años fuera de la Argentina, de sonrisa tímida y profundos ojos azules.
El discurso científico se fusiona con una veta poética cuando Saraceno describe, con entusiasmo, sus proyectos: “Las arañas siempre largan un hilo cuando caminan, así que una telaraña es siempre un diagrama de una ciudad-grilla o la huella de un recorrido. Nos olvidamos que una telaraña es siempre un mapa de su movimiento. Me gusta pensar que más que un mapa del pasado, de su recorrido, es también un mapa del futuro”, observa el artista.
Y prosigue: “Cuando una araña lanza sus hilos al aire, el viento y el calor las eleva y se transforman en aéreas, sus hilos durante el vuelo son proyecciones de sus futuros caminos, y dependiendo de cuán largas sean esas líneas, el viento las llevará en diferentes direcciones”, agrega el creador, y se refiere así a un particular movimiento arácnido conocido como ballooning, una idea de flotación que también trasladó a algunas de sus más célebres creaciones. Saraceno lo explica y hace un dibujito, con birome, sobre la hoja.

- Télam: ¿Cómo fue el proceso de traer las arañas al museo? ¿De manipularlas para que alcancen lo que te proponías?
- Tomás Saraceno: Es al revés. Cómo las arañas, que hace 140 millones de años están en la tierra, logran manipular a los humanos para tomar presencia en el museo donde estamos ahora. Son especies que saben mucho más que nosotros sobre este planeta, así que las que manipulan son las arañas, no nosotros. Me parece que hay que volver a plantear la pregunta. El antropoceno es una era donde la presencia del hombre en el mundo provoca cambios, cómo el humano domina.. pero el ser humano no domina nada. Va a desparecer, si no aprende de otras especies, a cómo sobrevivir en el planeta. Hay que cambiar esa perspectiva y darse cuenta de que las arañas viven en el museo y en nuestras casas desde siempre. La gente me dice: "Cómo las cazaste?", "¿Cómo las trajiste?'", y hay que invertir la pregunta.
- Télam: ¿Por qué "atrapar el universo en una telaraña"?
- TS: Naturalmente, porque una tela de araña es una especie de captura del universo, porque ahí caen partículas que son más viejas que este sistema solar. Entre 300 y 500 toneladas de polvo cósmico caen a la Tierra a través de la atmósfera cada día, partículas, tan antiguas como el universo.

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"Tomás Saraceno: Cómo atrapar el universo en una telaraña" se podrá visitar hasta agosto en el museo de Avenida San Juan 350, en el barrio porteño de San Telmo, de martes a viernes de 11 a 19. Sábados, domingos y feriados de 11 a 20. Entrada general: $20. Martes: gratis.

Conversaciones de la critica de arte Alicia de Arteaga con Tomas Saraceno en ocasión de la inauguración de su muestra en el MAMBA Museo de Arte Moderno de Buenos Aires

Sin nombre, Art Deco Pasos con abundante Company en 'La edad del jazz'

Sin nombre, Art Deco Pasos con abundante Company en 'La edad del jazz'

Por ROBERTA SMITH para New York Times

Un sofá góndola diseñada por Marcel Coard alrededor de 1925 en “La edad del jazz: Estilo de Estados Unidos en la década de 1920” en el Cooper Hewitt, Smithsonian Museo del Diseño. El textil por encima de ella es “fuego” por Yvonne Clarinval, desde 1925. CréditoChang W. Lee / The New York Times

Los nombres Cartier, Lalique, Ruhlmann y Puiforcat revolotean entre las etiquetas en el Cooper Hewitt . Curvas simplificados alternan con geometrías gruesos. Abundan los motivos rascacielos. Nueva edad supera en muebles, joyas, forja, vestidos de noche de perlas incrustadas y capas de ópera, tapices y lacado de ventanas, servicios de té de plata y cajas de cigarrillo plegable.
Durante los embriagadores años, blinkered conocidos como los años veinte, la modernización estaba en el aire, al igual que un sentido general de inestabilidad. En ese breve recuperación de la Primera Guerra Mundial, antes de la caída en los trastornos económicos y políticos que condujeron a la Segunda Guerra Mundial , Art Deco nació - el más conocido de todos los movimientos de arte moderno.

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Detalle de un Firescreen por Edgar Brandt en hierro forjado y dorado, de alrededor de 1925. Crédito2017 Edgar Brandt / Artistas Derechos Society (ARS), Nueva York;Chang W. Lee / The New York Times

Sin embargo, en el programa de Cooper Hewitt “The Jazz Age: Estilo de Estados Unidos en la década de 1920”, que se inaugura el viernes, Art Deco es el movimiento que no se atreve a decir su nombre. Los comisarios han prescindido de la frase - eliminarlo de ambos textos en las paredes y el catálogo - tomar una, tachuela que abarca más audaz. Dada la popularidad de Art Deco, puede haber parecido mejor para saltar todos juntos - y ofrecer un sustituto de carne.

¿Qué “La era del jazz” sin duda lo hace, sea de manera imperfecta, desequilibrado. En él se establecen para inspeccionar la increíble plétora de tendencias progresistas europeos que ayudaron a poner en marcha el diseño de Estados Unidos en la década de 1920: los estilos más austeras que salen de la Bauhaus alemana, el movimiento holandés De Stijl y Escandinavia, así como los de Viena, donde Europea diseño moderno se unieron, con opulencia, a la vuelta del siglo.Seguir leyendo la historia principal





Estas influencias fueron absorbidos por los estadounidenses que viajan al extranjero, especialmente a la inmensa exposición de diseño internacional que tuvo lugar en París en 1925, la Exposición Internacional de Artes Decorativas et Industriales Modernas (de ahí Art Deco destila su nombre). Ellos se fomentaron en el hogar mediante exposiciones en museos, tiendas por departamentos, coleccionistas, diseñadores y las tiendas del Wiener Werkstätte en Viena y Cartier en París que se abrió en Nueva York.Foto

Una silla, frente a la izquierda, por Walter von Nessen; un escritorio de madera y una silla de Paul T. Frankl; y un par de puertas dobles lacadas por Séraphin Soudbinine y Jean Dunand. Todos son de la década de 1920. Crédito2017 Jean Dunand / Artistas Derechos Society (ARS), Nueva York;Chang W. Lee / The New York Times

Contra exceso de calidad de diseño de Europa, esta exposición propone un logro Americana de igual importancia: el jazz y - menos prominente - los azules, las formas musicales afroamericanas que son nuestra primera contribución verdaderamente viral al modernismo internacional. Jazz, en especial, a condición de la banda sonora de la década, ayudó a acelerar su metabolismo y relajar sus costumbres sociales. La muestra incluye artistas negros que ayudaron o se refleja la popularidad del jazz, incluyendo el ingenioso Josephine Baker, reina de París, visto en el cine, la fotografía y el trabajo del ilustrador Paul Colin, y el pintor Archibald J. Motley Jr., quien se destacó en que representa baile de la gente, la nueva intimidad, a la nueva música.

Menos visible que el jazz, pero igualmente importante, es el papel desempeñado por los diseñadores extranjeros. Algunos trabajaban desde Europa, al igual que el gran pensador ruso Léon Bakst, quien creó un tejido negro cuadriculado con guirnaldas de flores para el Silk Company Robinson en Nueva York. Pero la mayoría se trasladó a los Estados Unidos después de la Primera Guerra Mundial, que influyen en el sabor y el talento de América y, más específicamente, proporcionar a las empresas estadounidenses con diseños para producir: entre ellos estaban Paul T. Frankl, William Hunt Diederich, Kem Weber y Elsa TENNHARDT.

Si bien refrescante en el enfoque, el espectáculo no acaba de demostrar su punto, porque gran parte de su material es, así, Art Deco. Y la mayor parte connota un estilo de vida rico, moda de vanguardia en París o Nueva York - gran diversión para unos pocos privilegiados.Foto

“Extracto del paisaje urbano” por Winold Reiss en grafito y lápiz de color sobre el papel, a partir de 1929/30. CréditoMatt Flynn / Smithsonian Institution

Tanto “La era del jazz” y su catálogo fueron supervisados por Sarah D. Coffin, un curador en el Cooper Hewitt , y Stephen Harrison, del Museo de Arte de Cleveland, la entidad colaboradora en el programa, con la ayuda de Emily M. Orr. Reúne profundas participaciones los dos museos del diseño americano por primera vez, proporcionando mucho que ver, en gran parte visual e históricamente fascinante.

La exposición, que se inaugura el tercer piso del museo y se derrama sobre el segundo, se inicia en voz baja, casi a la inversa. “La persistencia del buen gusto”, el primero de sus seis secciones, cuenta con un puñado de reproducciones de estilos pasados, incluyendo un servicio de té de estilo Regency guapo y un arcón pintado por Max Kuehne que perteneció a la esposa del siglo 20 el coleccionista estadounidense Albert C. Barnes.

A partir de aquí la extravagancia y la artesanía de alta gama Art Deco, y su olvido social complementaria, es prominente. En “Una nueva mirada a formas familiares” nos encontramos con la exquisita gabinetes hechos a medida de Jacques-Émile Ruhlmann y un sofá góndola majestuosa por Marcel Coard, su curva de acunar de base y brazos hechos de palo de rosa tallado para simular ratán y afilado en latón.Foto

Un detalle de “zorros,” un 10-panel de la pantalla de plegado por Armand-Albert Rateau en madera dorada y lacado, de alrededor de 1921 a 1922. CréditoChang W. Lee / The New York Times

Una sección de “romper las reglas” cuenta con las fruslerías relucientes de un emocionante si bastante caro vida nocturna. Una forma de pajarita broche francesa está hecho de tallado lapislázuli, ónix, coral y jade. Un par de brazaletes de puño de diamantes y platino fueron usados una vez al día por Gloria Swanson. Casos y cigarrillos Bejeweled nos recuerdan que las mujeres no sólo obtuvieron el derecho al voto en la década de 1920, también comenzaron a fumar en público. Donald Deskey de “Fiesta Cenicero” es un estudio en colores pastel para fondo de pantalla animado sembrado de cigarrillos encendidos que evoca las pinturas de Katherine Bernhardt .

Que la cultura afroamericana, mientras apreciado, también fue caricaturizado, es evidente en las figuras de baile en los floreros de cristal por el diseñador italiano Guido Maria Balsamo Stella y un dibujo Paul Colin de una pareja alegre en el que la pareja masculina podría ser con la cara negra. Como si fuera una señal, una pitillera propiedad de una vez por Al Jolson - el ejemplo estadounidense del género - imita una carta, con su nombre y dirección garabateada en su tapa.

“Un mundo más pequeño”, que continúa en el segundo piso, que llama la atención menos armoniosa. El motivo rascacielos domina, por su vez, la explotación forestal, en las formas de muebles de madera pesados ​​de Frankl; aficionados, en una pantalla plegable de plata por Deskey; y jokey, en una silla de corte de metal diseñado para Macy por el diseñador de la lámpara eminente Walter von Nessen. energía de la ciudad es más agudo en un pequeño estudio mural del artista estadounidense de origen alemán Winold Reiss que podría ser obra de arte pop de Roy Lichtenstein.Foto

Un broche por el joyero parisino Boucheron en diamantes, platino, lapislázuli talladas, ónix, coral y jade, desde 1925. CréditoChang W. Lee / The New York Times

La tercera planta finalmente se convierte en muebles (y pinturas) de un no-Deco calaña decididamente, en una abstracción Mondrian está emparejado con Gerrit Rietveld de “rojo, amarillo y silla azul” “Abstracción y la invención.” - ambos clásicos, y una excelente Eiffel pintura de la torre por Robert Delaunay enfrenta a su espacio rueda contra la verticalidad de la silla rígida “pavo real” de Frank Lloyd Wright.

La sexta sección, titulada torpemente “Hacia una era de la máquina y con ganas”, está dedicada a la diseño elegante del estilo internacional esencialista. Cuenta con los muebles de cromo-tubo pionero de los modernos Europea Bauhaus Marcel Breuer, Mies van der Rohe, así como Le Corbusier, así como sus repercusiones menos imponente entre los diseñadores americanos. A la vista de una fotografía del Espíritu de San Luis se aproxima París, en 1927, una cama con armarios empotrados en madera de color miel por el emigrante austriaco Frederick Kiesler sugiere cabina de primera clase de un avión de pasajeros. Por encima de él cuelga imponente “Muerte Go Down”, de Aaron Douglas una pintura de un caballo y jinete alado espectral lagrimeo a través de las nubes en forma de estrella. Sobre la base de una de las ilustraciones de Douglas para 1927 libro de poemas de James Weldon Johnson, “Trombones de Dios”, que se realizó en 1934. La depresión se había llegado; Hitler estaba en el poder. Las cosas se dirigían en todas direcciones sino hacia arriba.

Pero los años 1920 y el estilo que no debe ser nombrado tienen un último hurra, generoso en la parte 2 de “Un mundo más pequeño” en la segunda planta del museo. Que el estilo de brillantez, altivez y el retorno kitsch ocasional en vigor, en espumoso objetos y prendas europeos que se muestran en la exposición de París en 1925 o en otro lugar en el continente. Podría decirse que la mejor parte del espectáculo, esta matriz sugiere que Estados Unidos rara vez se reunió un Art Deco digna de ese nombre - por lo que es muy valiosa para recordarnos de las otras influencias que forman espíritu de diseño del país. También es estimulante la idea de que las definiciones estilísticas son siempre profundamente porosa cuando se mira a la luz del día. Aún así, es justo a apostar que tres pequeños sílabas de Art Deco es probable que permanezca en uso.


La edad del jazz: estilo americano en la década de 1920
hasta el 20 de agosto en el Cooper Hewitt, Smithsonian Museo del Diseño, Manhattan; 212-849-8400, cooperhewitt.org.

Necklace, 1929; Produced by Van Cleef & Arpels (Paris, France); Platinum, carved rubies, diamonds; L: 41.3 cm (16 1/4 in.); The Adrien Labi Collection;

Necklace, 1929; Produced by Van Cleef & Arpels (Paris, France); Platinum, carved rubies, diamonds; L: 41.3 cm (16 1/4 in.); The Adrien Labi Collection;

Necklace, 1929; Produced by Van Cleef & Arpels

Adiós al ‘miedo a Trump’: se reactivan los precios y vuelve a crecer la demanda

Adiós al ‘miedo a Trump’: se reactivan los precios y vuelve a crecer la demanda

por Ignacio Gutiérrez Zaldívar para El Cronista

Ya han pasado los temores por el efecto de Trump sobre el mercado del arte y las acciones suben y el negocio arrancó con un índice nunca visto de obras colocadas con sólo unas pocas sin llegar a sus bases y estimaciones. Por caso, las dos grandes subastadoras han realizado cerca de 100 remates en 10 países y el optimismo está presente en todas ellas. En este sentido, los datos del primer trimestre de 2017 evidencia que estos tres meses del año se destacan por la mejor selección y bases de lo ofrecido, lo cual ha permitido un porcentaje de ventas superior al histórico, y un fuerte crecimiento de la ventas online, que ya se ubican en el orden de los u$s 6000, y que todo los años duplica el monto del anterior. Hubo buenas ventas en París de pintura antigua, y hasta se pagaron u$s 8 millones por un Francesco Guardi. También se destacan varios récords como contáramos de Diego Giacoametti, y grandes precios en las ventas londinenses y en las semanas de arte chino en Nueva York. Es más, para entender parte de lo que ocurre se puede aclarar que el gran motor son los chinos que compran en todas partes y se llevan los lotes más valiosos. De todos modos, en mi visión, el gran envión ha sido dado por las compras para formar museos. Hay que pensar que en los últimos 15 años se han creado más museos que en todo el siglo XIX y XX juntos. Como hemos contado, el año pasado fue de baja en el monto de lo facturado por las casas de subasta que han vendido cerca de un 30% menos. Sin embargo, las ventas privadas y las galerías de arte han vendido mucho más y el volumen total creció 2%. Es importante destacar que es China la que hoy domina el mercado de remates, con sus casas locales de venta que representan el 38% de lo subastado. Luego se ubican las casas con sede en Estados Unidos con el 28%; las de Inglaterra con el 17% y las que operan en Francia con el 5%. Las tres ciudades con mayores ventas a nivel mundial son Nueva York, Beijing y Londres. En el caso de los artistas más demandados, son Picasso, con ventas publicas por u$s 324 millones y posiblemente más de u$s 1000 millones sumando las privadas. Luego se encuentra el alemán contemporáneo Gerhard Richter de 82 años y con ventas públicas por u$s 190 millones. Tercero se destaca la obra de Basquiat, con u$s 171 millones, y un deprimido mercado de Andy Warhol con tan sólo u$s 163 millones en ventas en remate. En cuanto a las obras multimillonarias que se vendieron en más de u$s 10 millones durante 2015 fueron 140 contra solamente 82 el año pasado. Pero no todo son récords, ya que el 50% del mercado se nutre de ventas inferiores a u$s 1000. De hecho, si tomamos los lotes en oferta, el 96% se ha vendido en menos de u$s 50.000. El aumento de precios en el Siglo XXI es de un promedio del 70% y una inversión en arte representa un aumento de valor del 6% anual. Lo preferido del mercado son las obras europeas. Representan un 35% de lo vendido, pero ya el arte de origen chino se acerca al 30% mientras que el arte americano araña el 15% y el inglés se ubica en el 6%. De las ferias, hay que destacar la de Maastricht en los Países Bajos, que creo es la mejor de todas y tiene 30 años superándose. En el caso de Buenos Aires, recién ahora comienzan las ventas y veremos cómo funcionan. En este marco, la casa de subastas Bullrich anuncia la venta de un importante Prilidiano Pueyrredón que debería superar los u$s 200.000.