Sin nombre, Art Deco Pasos con abundante Company en 'La edad del jazz'
Un sofá góndola diseñada por Marcel Coard alrededor de 1925 en “La edad del jazz: Estilo de Estados Unidos en la década de 1920” en el Cooper Hewitt, Smithsonian Museo del Diseño. El textil por encima de ella es “fuego” por Yvonne Clarinval, desde 1925. CréditoChang W. Lee / The New York Times
Los nombres Cartier, Lalique, Ruhlmann y Puiforcat revolotean entre las etiquetas en el Cooper Hewitt . Curvas simplificados alternan con geometrías gruesos. Abundan los motivos rascacielos. Nueva edad supera en muebles, joyas, forja, vestidos de noche de perlas incrustadas y capas de ópera, tapices y lacado de ventanas, servicios de té de plata y cajas de cigarrillo plegable.
Durante los embriagadores años, blinkered conocidos como los años veinte, la modernización estaba en el aire, al igual que un sentido general de inestabilidad. En ese breve recuperación de la Primera Guerra Mundial, antes de la caída en los trastornos económicos y políticos que condujeron a la Segunda Guerra Mundial , Art Deco nació - el más conocido de todos los movimientos de arte moderno.
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Detalle de un Firescreen por Edgar Brandt en hierro forjado y dorado, de alrededor de 1925. Crédito2017 Edgar Brandt / Artistas Derechos Society (ARS), Nueva York;Chang W. Lee / The New York Times
Sin embargo, en el programa de Cooper Hewitt “The Jazz Age: Estilo de Estados Unidos en la década de 1920”, que se inaugura el viernes, Art Deco es el movimiento que no se atreve a decir su nombre. Los comisarios han prescindido de la frase - eliminarlo de ambos textos en las paredes y el catálogo - tomar una, tachuela que abarca más audaz. Dada la popularidad de Art Deco, puede haber parecido mejor para saltar todos juntos - y ofrecer un sustituto de carne.
¿Qué “La era del jazz” sin duda lo hace, sea de manera imperfecta, desequilibrado. En él se establecen para inspeccionar la increíble plétora de tendencias progresistas europeos que ayudaron a poner en marcha el diseño de Estados Unidos en la década de 1920: los estilos más austeras que salen de la Bauhaus alemana, el movimiento holandés De Stijl y Escandinavia, así como los de Viena, donde Europea diseño moderno se unieron, con opulencia, a la vuelta del siglo.Seguir leyendo la historia principal
Estas influencias fueron absorbidos por los estadounidenses que viajan al extranjero, especialmente a la inmensa exposición de diseño internacional que tuvo lugar en París en 1925, la Exposición Internacional de Artes Decorativas et Industriales Modernas (de ahí Art Deco destila su nombre). Ellos se fomentaron en el hogar mediante exposiciones en museos, tiendas por departamentos, coleccionistas, diseñadores y las tiendas del Wiener Werkstätte en Viena y Cartier en París que se abrió en Nueva York.Foto
Una silla, frente a la izquierda, por Walter von Nessen; un escritorio de madera y una silla de Paul T. Frankl; y un par de puertas dobles lacadas por Séraphin Soudbinine y Jean Dunand. Todos son de la década de 1920. Crédito2017 Jean Dunand / Artistas Derechos Society (ARS), Nueva York;Chang W. Lee / The New York Times
Contra exceso de calidad de diseño de Europa, esta exposición propone un logro Americana de igual importancia: el jazz y - menos prominente - los azules, las formas musicales afroamericanas que son nuestra primera contribución verdaderamente viral al modernismo internacional. Jazz, en especial, a condición de la banda sonora de la década, ayudó a acelerar su metabolismo y relajar sus costumbres sociales. La muestra incluye artistas negros que ayudaron o se refleja la popularidad del jazz, incluyendo el ingenioso Josephine Baker, reina de París, visto en el cine, la fotografía y el trabajo del ilustrador Paul Colin, y el pintor Archibald J. Motley Jr., quien se destacó en que representa baile de la gente, la nueva intimidad, a la nueva música.
Menos visible que el jazz, pero igualmente importante, es el papel desempeñado por los diseñadores extranjeros. Algunos trabajaban desde Europa, al igual que el gran pensador ruso Léon Bakst, quien creó un tejido negro cuadriculado con guirnaldas de flores para el Silk Company Robinson en Nueva York. Pero la mayoría se trasladó a los Estados Unidos después de la Primera Guerra Mundial, que influyen en el sabor y el talento de América y, más específicamente, proporcionar a las empresas estadounidenses con diseños para producir: entre ellos estaban Paul T. Frankl, William Hunt Diederich, Kem Weber y Elsa TENNHARDT.
Si bien refrescante en el enfoque, el espectáculo no acaba de demostrar su punto, porque gran parte de su material es, así, Art Deco. Y la mayor parte connota un estilo de vida rico, moda de vanguardia en París o Nueva York - gran diversión para unos pocos privilegiados.Foto
“Extracto del paisaje urbano” por Winold Reiss en grafito y lápiz de color sobre el papel, a partir de 1929/30. CréditoMatt Flynn / Smithsonian Institution
Tanto “La era del jazz” y su catálogo fueron supervisados por Sarah D. Coffin, un curador en el Cooper Hewitt , y Stephen Harrison, del Museo de Arte de Cleveland, la entidad colaboradora en el programa, con la ayuda de Emily M. Orr. Reúne profundas participaciones los dos museos del diseño americano por primera vez, proporcionando mucho que ver, en gran parte visual e históricamente fascinante.
La exposición, que se inaugura el tercer piso del museo y se derrama sobre el segundo, se inicia en voz baja, casi a la inversa. “La persistencia del buen gusto”, el primero de sus seis secciones, cuenta con un puñado de reproducciones de estilos pasados, incluyendo un servicio de té de estilo Regency guapo y un arcón pintado por Max Kuehne que perteneció a la esposa del siglo 20 el coleccionista estadounidense Albert C. Barnes.
A partir de aquí la extravagancia y la artesanía de alta gama Art Deco, y su olvido social complementaria, es prominente. En “Una nueva mirada a formas familiares” nos encontramos con la exquisita gabinetes hechos a medida de Jacques-Émile Ruhlmann y un sofá góndola majestuosa por Marcel Coard, su curva de acunar de base y brazos hechos de palo de rosa tallado para simular ratán y afilado en latón.Foto
Un detalle de “zorros,” un 10-panel de la pantalla de plegado por Armand-Albert Rateau en madera dorada y lacado, de alrededor de 1921 a 1922. CréditoChang W. Lee / The New York Times
Una sección de “romper las reglas” cuenta con las fruslerías relucientes de un emocionante si bastante caro vida nocturna. Una forma de pajarita broche francesa está hecho de tallado lapislázuli, ónix, coral y jade. Un par de brazaletes de puño de diamantes y platino fueron usados una vez al día por Gloria Swanson. Casos y cigarrillos Bejeweled nos recuerdan que las mujeres no sólo obtuvieron el derecho al voto en la década de 1920, también comenzaron a fumar en público. Donald Deskey de “Fiesta Cenicero” es un estudio en colores pastel para fondo de pantalla animado sembrado de cigarrillos encendidos que evoca las pinturas de Katherine Bernhardt .
Que la cultura afroamericana, mientras apreciado, también fue caricaturizado, es evidente en las figuras de baile en los floreros de cristal por el diseñador italiano Guido Maria Balsamo Stella y un dibujo Paul Colin de una pareja alegre en el que la pareja masculina podría ser con la cara negra. Como si fuera una señal, una pitillera propiedad de una vez por Al Jolson - el ejemplo estadounidense del género - imita una carta, con su nombre y dirección garabateada en su tapa.
“Un mundo más pequeño”, que continúa en el segundo piso, que llama la atención menos armoniosa. El motivo rascacielos domina, por su vez, la explotación forestal, en las formas de muebles de madera pesados de Frankl; aficionados, en una pantalla plegable de plata por Deskey; y jokey, en una silla de corte de metal diseñado para Macy por el diseñador de la lámpara eminente Walter von Nessen. energía de la ciudad es más agudo en un pequeño estudio mural del artista estadounidense de origen alemán Winold Reiss que podría ser obra de arte pop de Roy Lichtenstein.Foto
Un broche por el joyero parisino Boucheron en diamantes, platino, lapislázuli talladas, ónix, coral y jade, desde 1925. CréditoChang W. Lee / The New York Times
La tercera planta finalmente se convierte en muebles (y pinturas) de un no-Deco calaña decididamente, en una abstracción Mondrian está emparejado con Gerrit Rietveld de “rojo, amarillo y silla azul” “Abstracción y la invención.” - ambos clásicos, y una excelente Eiffel pintura de la torre por Robert Delaunay enfrenta a su espacio rueda contra la verticalidad de la silla rígida “pavo real” de Frank Lloyd Wright.
La sexta sección, titulada torpemente “Hacia una era de la máquina y con ganas”, está dedicada a la diseño elegante del estilo internacional esencialista. Cuenta con los muebles de cromo-tubo pionero de los modernos Europea Bauhaus Marcel Breuer, Mies van der Rohe, así como Le Corbusier, así como sus repercusiones menos imponente entre los diseñadores americanos. A la vista de una fotografía del Espíritu de San Luis se aproxima París, en 1927, una cama con armarios empotrados en madera de color miel por el emigrante austriaco Frederick Kiesler sugiere cabina de primera clase de un avión de pasajeros. Por encima de él cuelga imponente “Muerte Go Down”, de Aaron Douglas una pintura de un caballo y jinete alado espectral lagrimeo a través de las nubes en forma de estrella. Sobre la base de una de las ilustraciones de Douglas para 1927 libro de poemas de James Weldon Johnson, “Trombones de Dios”, que se realizó en 1934. La depresión se había llegado; Hitler estaba en el poder. Las cosas se dirigían en todas direcciones sino hacia arriba.
Pero los años 1920 y el estilo que no debe ser nombrado tienen un último hurra, generoso en la parte 2 de “Un mundo más pequeño” en la segunda planta del museo. Que el estilo de brillantez, altivez y el retorno kitsch ocasional en vigor, en espumoso objetos y prendas europeos que se muestran en la exposición de París en 1925 o en otro lugar en el continente. Podría decirse que la mejor parte del espectáculo, esta matriz sugiere que Estados Unidos rara vez se reunió un Art Deco digna de ese nombre - por lo que es muy valiosa para recordarnos de las otras influencias que forman espíritu de diseño del país. También es estimulante la idea de que las definiciones estilísticas son siempre profundamente porosa cuando se mira a la luz del día. Aún así, es justo a apostar que tres pequeños sílabas de Art Deco es probable que permanezca en uso.
La edad del jazz: estilo americano en la década de 1920
hasta el 20 de agosto en el Cooper Hewitt, Smithsonian Museo del Diseño, Manhattan; 212-849-8400, cooperhewitt.org.
Los nombres Cartier, Lalique, Ruhlmann y Puiforcat revolotean entre las etiquetas en el Cooper Hewitt . Curvas simplificados alternan con geometrías gruesos. Abundan los motivos rascacielos. Nueva edad supera en muebles, joyas, forja, vestidos de noche de perlas incrustadas y capas de ópera, tapices y lacado de ventanas, servicios de té de plata y cajas de cigarrillo plegable.
Durante los embriagadores años, blinkered conocidos como los años veinte, la modernización estaba en el aire, al igual que un sentido general de inestabilidad. En ese breve recuperación de la Primera Guerra Mundial, antes de la caída en los trastornos económicos y políticos que condujeron a la Segunda Guerra Mundial , Art Deco nació - el más conocido de todos los movimientos de arte moderno.
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Detalle de un Firescreen por Edgar Brandt en hierro forjado y dorado, de alrededor de 1925. Crédito2017 Edgar Brandt / Artistas Derechos Society (ARS), Nueva York;Chang W. Lee / The New York Times
Sin embargo, en el programa de Cooper Hewitt “The Jazz Age: Estilo de Estados Unidos en la década de 1920”, que se inaugura el viernes, Art Deco es el movimiento que no se atreve a decir su nombre. Los comisarios han prescindido de la frase - eliminarlo de ambos textos en las paredes y el catálogo - tomar una, tachuela que abarca más audaz. Dada la popularidad de Art Deco, puede haber parecido mejor para saltar todos juntos - y ofrecer un sustituto de carne.
¿Qué “La era del jazz” sin duda lo hace, sea de manera imperfecta, desequilibrado. En él se establecen para inspeccionar la increíble plétora de tendencias progresistas europeos que ayudaron a poner en marcha el diseño de Estados Unidos en la década de 1920: los estilos más austeras que salen de la Bauhaus alemana, el movimiento holandés De Stijl y Escandinavia, así como los de Viena, donde Europea diseño moderno se unieron, con opulencia, a la vuelta del siglo.Seguir leyendo la historia principal
Estas influencias fueron absorbidos por los estadounidenses que viajan al extranjero, especialmente a la inmensa exposición de diseño internacional que tuvo lugar en París en 1925, la Exposición Internacional de Artes Decorativas et Industriales Modernas (de ahí Art Deco destila su nombre). Ellos se fomentaron en el hogar mediante exposiciones en museos, tiendas por departamentos, coleccionistas, diseñadores y las tiendas del Wiener Werkstätte en Viena y Cartier en París que se abrió en Nueva York.Foto
Una silla, frente a la izquierda, por Walter von Nessen; un escritorio de madera y una silla de Paul T. Frankl; y un par de puertas dobles lacadas por Séraphin Soudbinine y Jean Dunand. Todos son de la década de 1920. Crédito2017 Jean Dunand / Artistas Derechos Society (ARS), Nueva York;Chang W. Lee / The New York Times
Contra exceso de calidad de diseño de Europa, esta exposición propone un logro Americana de igual importancia: el jazz y - menos prominente - los azules, las formas musicales afroamericanas que son nuestra primera contribución verdaderamente viral al modernismo internacional. Jazz, en especial, a condición de la banda sonora de la década, ayudó a acelerar su metabolismo y relajar sus costumbres sociales. La muestra incluye artistas negros que ayudaron o se refleja la popularidad del jazz, incluyendo el ingenioso Josephine Baker, reina de París, visto en el cine, la fotografía y el trabajo del ilustrador Paul Colin, y el pintor Archibald J. Motley Jr., quien se destacó en que representa baile de la gente, la nueva intimidad, a la nueva música.
Menos visible que el jazz, pero igualmente importante, es el papel desempeñado por los diseñadores extranjeros. Algunos trabajaban desde Europa, al igual que el gran pensador ruso Léon Bakst, quien creó un tejido negro cuadriculado con guirnaldas de flores para el Silk Company Robinson en Nueva York. Pero la mayoría se trasladó a los Estados Unidos después de la Primera Guerra Mundial, que influyen en el sabor y el talento de América y, más específicamente, proporcionar a las empresas estadounidenses con diseños para producir: entre ellos estaban Paul T. Frankl, William Hunt Diederich, Kem Weber y Elsa TENNHARDT.
Si bien refrescante en el enfoque, el espectáculo no acaba de demostrar su punto, porque gran parte de su material es, así, Art Deco. Y la mayor parte connota un estilo de vida rico, moda de vanguardia en París o Nueva York - gran diversión para unos pocos privilegiados.Foto
“Extracto del paisaje urbano” por Winold Reiss en grafito y lápiz de color sobre el papel, a partir de 1929/30. CréditoMatt Flynn / Smithsonian Institution
Tanto “La era del jazz” y su catálogo fueron supervisados por Sarah D. Coffin, un curador en el Cooper Hewitt , y Stephen Harrison, del Museo de Arte de Cleveland, la entidad colaboradora en el programa, con la ayuda de Emily M. Orr. Reúne profundas participaciones los dos museos del diseño americano por primera vez, proporcionando mucho que ver, en gran parte visual e históricamente fascinante.
La exposición, que se inaugura el tercer piso del museo y se derrama sobre el segundo, se inicia en voz baja, casi a la inversa. “La persistencia del buen gusto”, el primero de sus seis secciones, cuenta con un puñado de reproducciones de estilos pasados, incluyendo un servicio de té de estilo Regency guapo y un arcón pintado por Max Kuehne que perteneció a la esposa del siglo 20 el coleccionista estadounidense Albert C. Barnes.
A partir de aquí la extravagancia y la artesanía de alta gama Art Deco, y su olvido social complementaria, es prominente. En “Una nueva mirada a formas familiares” nos encontramos con la exquisita gabinetes hechos a medida de Jacques-Émile Ruhlmann y un sofá góndola majestuosa por Marcel Coard, su curva de acunar de base y brazos hechos de palo de rosa tallado para simular ratán y afilado en latón.Foto
Un detalle de “zorros,” un 10-panel de la pantalla de plegado por Armand-Albert Rateau en madera dorada y lacado, de alrededor de 1921 a 1922. CréditoChang W. Lee / The New York Times
Una sección de “romper las reglas” cuenta con las fruslerías relucientes de un emocionante si bastante caro vida nocturna. Una forma de pajarita broche francesa está hecho de tallado lapislázuli, ónix, coral y jade. Un par de brazaletes de puño de diamantes y platino fueron usados una vez al día por Gloria Swanson. Casos y cigarrillos Bejeweled nos recuerdan que las mujeres no sólo obtuvieron el derecho al voto en la década de 1920, también comenzaron a fumar en público. Donald Deskey de “Fiesta Cenicero” es un estudio en colores pastel para fondo de pantalla animado sembrado de cigarrillos encendidos que evoca las pinturas de Katherine Bernhardt .
Que la cultura afroamericana, mientras apreciado, también fue caricaturizado, es evidente en las figuras de baile en los floreros de cristal por el diseñador italiano Guido Maria Balsamo Stella y un dibujo Paul Colin de una pareja alegre en el que la pareja masculina podría ser con la cara negra. Como si fuera una señal, una pitillera propiedad de una vez por Al Jolson - el ejemplo estadounidense del género - imita una carta, con su nombre y dirección garabateada en su tapa.
“Un mundo más pequeño”, que continúa en el segundo piso, que llama la atención menos armoniosa. El motivo rascacielos domina, por su vez, la explotación forestal, en las formas de muebles de madera pesados de Frankl; aficionados, en una pantalla plegable de plata por Deskey; y jokey, en una silla de corte de metal diseñado para Macy por el diseñador de la lámpara eminente Walter von Nessen. energía de la ciudad es más agudo en un pequeño estudio mural del artista estadounidense de origen alemán Winold Reiss que podría ser obra de arte pop de Roy Lichtenstein.Foto
Un broche por el joyero parisino Boucheron en diamantes, platino, lapislázuli talladas, ónix, coral y jade, desde 1925. CréditoChang W. Lee / The New York Times
La tercera planta finalmente se convierte en muebles (y pinturas) de un no-Deco calaña decididamente, en una abstracción Mondrian está emparejado con Gerrit Rietveld de “rojo, amarillo y silla azul” “Abstracción y la invención.” - ambos clásicos, y una excelente Eiffel pintura de la torre por Robert Delaunay enfrenta a su espacio rueda contra la verticalidad de la silla rígida “pavo real” de Frank Lloyd Wright.
La sexta sección, titulada torpemente “Hacia una era de la máquina y con ganas”, está dedicada a la diseño elegante del estilo internacional esencialista. Cuenta con los muebles de cromo-tubo pionero de los modernos Europea Bauhaus Marcel Breuer, Mies van der Rohe, así como Le Corbusier, así como sus repercusiones menos imponente entre los diseñadores americanos. A la vista de una fotografía del Espíritu de San Luis se aproxima París, en 1927, una cama con armarios empotrados en madera de color miel por el emigrante austriaco Frederick Kiesler sugiere cabina de primera clase de un avión de pasajeros. Por encima de él cuelga imponente “Muerte Go Down”, de Aaron Douglas una pintura de un caballo y jinete alado espectral lagrimeo a través de las nubes en forma de estrella. Sobre la base de una de las ilustraciones de Douglas para 1927 libro de poemas de James Weldon Johnson, “Trombones de Dios”, que se realizó en 1934. La depresión se había llegado; Hitler estaba en el poder. Las cosas se dirigían en todas direcciones sino hacia arriba.
Pero los años 1920 y el estilo que no debe ser nombrado tienen un último hurra, generoso en la parte 2 de “Un mundo más pequeño” en la segunda planta del museo. Que el estilo de brillantez, altivez y el retorno kitsch ocasional en vigor, en espumoso objetos y prendas europeos que se muestran en la exposición de París en 1925 o en otro lugar en el continente. Podría decirse que la mejor parte del espectáculo, esta matriz sugiere que Estados Unidos rara vez se reunió un Art Deco digna de ese nombre - por lo que es muy valiosa para recordarnos de las otras influencias que forman espíritu de diseño del país. También es estimulante la idea de que las definiciones estilísticas son siempre profundamente porosa cuando se mira a la luz del día. Aún así, es justo a apostar que tres pequeños sílabas de Art Deco es probable que permanezca en uso.
La edad del jazz: estilo americano en la década de 1920
hasta el 20 de agosto en el Cooper Hewitt, Smithsonian Museo del Diseño, Manhattan; 212-849-8400, cooperhewitt.org.
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Necklace, 1929; Produced by Van Cleef & Arpels (Paris, France); Platinum, carved rubies, diamonds; L: 41.3 cm (16 1/4 in.); The Adrien Labi Collection;Necklace, 1929; Produced by Van Cleef & Arpels (Paris, France); Platinum, carved rubies, diamonds; L: 41.3 cm (16 1/4 in.); The Adrien Labi Collection;Necklace, 1929; Produced by Van Cleef & Arpels |
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