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Arte/Arquitectura/Ciudad, plastica, fotografía, arte urbano
jueves, 23 de octubre de 2014
Arte BA 2015
martes, 14 de octubre de 2014
El reloj de arena solar 1er premio Santiago Muros Cortes
El reloj de arena solar / Primer premio LAGI 2014
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Como si estuviera caminando a lo largo de uno de
los mercados de pulgas Refshaleøen, de repente te encuentras con un artículo en
particular, un objeto que se puede reconocer claramente y en algún momento se
refieren a. Usted probablemente no ha visto uno de esos en un tiempo muy largo
para que te sientas particularmente intrigado por ella, de alguna manera
cautivado. Usted comienza a acercarse a ella y su escala comienza a parecer un
poco inusual ... algo extraordinario. De repente te das cuenta ... éste, es
diferente.
Usted comienza a caminar hacia él con ganas de
echar un vistazo más de cerca a lo que parece ser un elemento tomado de ningún
otro lugar de las maravillas. Te acercas el objeto y ahora está absolutamente
seguro ... Es un reloj de arena. Sin embargo hay algo particularmente diferente
acerca de esto, algo que hace que te preguntes si realmente es lo que parece
ser. Fue la primera cosa que me llamó la atención. El reloj de arena majestuoso
no parece ser goteo arena o cáscara de huevo en polvo, en cambio, cualquier
material que es, claro está brillando como los primeros rayos de sol por la
mañana. Hay una niebla sutil alrededor del cuello del reloj de arena que le
permite ver claramente la luz "goteo" de una bombilla a la otra. ¿Se
mide el tiempo? ¿O es algo más?
Te acercas a la bombilla aún más y empiezas a
darte cuenta que no eres el primero en llegar. Otros que han golpeado a este
espectáculo numinoso de la luz. Todo sobre el bulbo inferior, decenas de
personas disfrutan de un mediodía de verano al abrigo de la acogedora sombra de
la bombilla de la parte superior. Algunos están almorzando, otros chateando,
algunos otros de la lectura. Algunas de ellas, situada en la ladera sutil de la
bombilla, están disfrutando de las increíbles vistas al puerto de Copenhague y
Yderhavnen. Sin embargo, en el lado este de la pendiente, algo diferente parece
estar pasando. Este lado, frente a la isla de Refshaleøen ahora se está
utilizando como soportes de personas viendo una actuación improvisada por un
par de músicos. Parece como si el reloj de arena estaba siendo anfitrión de
todo tipo de actividades.
Pero usted todavía está intrigado por ese rayo de
luz que parece ser encantador tus ojos. Sigues y pisa el bulbo. Hay una
escalera que va junto con él a tu lado, pero te sientes animado y deciden
conquistar la pendiente por su cuenta. Se llega a la viga de la luz y comienza
a sentir algo de calor. De hecho se trata de un haz de luz solar, un rayo de
energía que está siendo reflejada por cientos de pequeños heliostatos en la
parte superior de la bombilla superior sobre un espejo en forma de cono focal
que dispara hacia abajo el cuello del reloj de arena.
El efecto es simplemente impresionante. Se trata
de un reloj de arena solar. No es medir el tiempo, pero en su lugar, la
producción de energía mediante la captura de calor solar y concentrarla en un
receptor.
Eres sorprendido. Este objeto sorprendente resultó
ser algo de una planta de energía. Una producción de energía del reloj de arena
con el medio ambiente y sostenible que se asemeja no sólo la forma de estos
hermosos objetos, sino también la forma en que trabajan, sólo el uso de un haz
de luz solar en lugar de arena como material de goteo. Usted oye a alguien
decir que en la noche, el rayo se apaga y la fina capa de OLED (Organic
Light-Emitting Diode) que cubre la instalación, se enciende en la superficie de
las dos bombillas, transformando el reloj de arena en un par de planos
elegantemente curvos que brillar fuera del borde de Refshaleøen. Sólo tienes
que permanecer alrededor para ver eso.
Lo que vino a ser conocido como reloj de arena del
Copenhague terminó por convertirse en un faro en la isla de la Refshaleøen. Un
icono universal frente al puerto, ya que produce la energía sostenible en forma
visible con lo que los visitantes y turistas tomen conciencia de este proceso.
El reloj de arena de alguna manera nos recuerdan
que la energía es tan preciosa y fugaz como el tiempo, y por lo tanto debemos
cuidar de él, apreciarlo ... no lo pierdan. El proyecto tiene como objetivo
enviar un mensaje optimista a los que lo visitan; que todavía tenemos tiempo
para hacer las cosas bien con el medio ambiente; que no estamos más allá del
punto de no retorno ... y lo más importante, que no necesitamos ser.
El reloj de arena representa un paso más en
nuestra búsqueda de maneras sostenibles, viables y bellas de la producción de
energía limpia, renovable y respetuosa con el medio ambiente. Junto con la
tierra, el reloj de arena se mantendrá de inflexión, que nos da con cada paso,
otro rayo de esperanza para un futuro mejor y más sostenible.
DECLARACIÓN DE IMPACTO AMBIENTAL.
El proyecto funciona como un receptor central
solar que consiste en una disposición de pequeños espejos planos que concentran
su reflexión de la energía solar en un tanque de retención de un medio de
calentamiento. Los espejos, también conocidos como "heliostatos",
fabricado por Abengoa Solar, líder mundial en centrales solares
termoeléctricas, se arreglan parabólica en la parte superior de la lámpara
superior del reloj de arena y reflejan el calor solar en un conjunto en forma
de cono de menor espejos que concentran estas reflexiones y les dispara abajo
del cuello de la instalación.
El haz concentrado de calor solar a continuación,
llega a un receptor, o, el elemento de recogida de calor, que está recubierta
con una superficie de absorción especial que maximiza la transferencia de calor
del sol para el fluido de transferencia de calor contenido en el interior del
receptor. Este fluido de transferencia de calor (HTF), que consiste en sal de
nitrato fundida, se calienta a temperaturas de más de 600 ° C. El HTC se
transfiere posteriormente a un intercambiador de calor donde el agua se
convierte en vapor que se ejecuta un generador de turbina. Un pequeño
porcentaje del vapor producido se libera de nuevo en el cuello del reloj de
arena, con lo que el haz de luz solar visible para el público.
La mayor capacidad de calor de la sal fundida,
permite para el sistema para almacenar la energía térmica que permite que la
instalación continúe para producir energía durante el tiempo nublado o incluso
por la noche. El almacenamiento térmico incluido en el bulbo inferior permite
que el sistema continúe la producción de energía durante horas después de que
el sol se ha ido.
Todos los componentes de producción y
transformación de energía se ocultan dentro de la bombilla inferior
convirtiéndose en inaccesibles para el público en general, por lo que es una
instalación segura, y aprovechando la morfología conceptos de asignar estos
elementos.
Como la tecnología de energía solar concentrada
que emplea sales fundidas como HTF, el reloj de arena se debe tener en cuenta
un factor de capacidad del 32%, y con un diámetro de 50 metros, el conjunto
parabólica 1960sqm de helióstatos se concentraría suficiente calor para
producir 6.2MW, lo que sería electricidad suficiente para alimentar 860
hogares, o la mayor parte de Refshaleøen.
La estructura está construida mayormente de acero
reciclado y extrusión de aluminio, lo que garantiza un excelente rendimiento
durante largos períodos de tiempo y creando así no hay segunda vuelta, por
productos o emisiones de ningún tipo.
El reloj de arena solar por Santiago Muros Cortes
publicado por A AS Architecture
En lugar de usar la arena para medir el tiempo, el reloj de arena solar utiliza la energía del sol para electrificar cientos de casas al tiempo que proporciona un entorno impresionante para la inspiración y la relajación. La instalación consta de una parte superior y una bombilla de baja. Decenas de personas se reúnen en la bombilla del fondo durante el día, al abrigo de la sombra de la bombilla de la parte superior. El proyecto funciona como un receptor central solar, que consiste en un arreglo de pequeños espejos planos que concentran su reflexión de la energía solar en un tanque de retención de un medio de calentamiento. espejos (heliostatos) Dom de seguimiento en la parte superior de la lámpara superior a reflejar el calor solar en un en forma de cono conjunto de espejos más pequeños que se concentran estas reflexiones y dirigen hacia abajo el cuello de la instalación. Como concentrada tecnología de energía solar que emplea sal fundida como HTF, el reloj de arena debe tener en cuenta un factor de capacidad del 32%, y con un diámetro de 50m, el conjunto parabólica 1960sqm de helióstatos se concentraría suficiente calor para producir 6.2MW, lo que sería suficiente electricidad para alimentar 860 hogares, o la mayor parte de Refshaleøen.
Fuente por LAGI .
Ubicación: Refshaleøen, Dinamarca
Artista: Santiago Muros Cortés (Argentina)
Tecnologías energéticas: la energía solar concentrada (torre térmica haz abajo con helióstatos)
Capacidad anual: 7.500 MWh
Premio: 1er Lugar Ganador de LAGI2014
martes, 23 de septiembre de 2014
El Arte Contemporáneo “directo de artista” vuelve a Pilar.
El Arte Contemporáneo “directo de artista” vuelve a Pilar.
Algunos artistas de BADA 2014
estuvieron visitando el lugar
“En BADA todos podemos ser coleccionistas”
Qué
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BADA-Boutique de Arte Directo de Artista
(feria de Arte Contemporáneo de Zona Norte en Pilar)
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Cuándo
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Del 2 al 6 de octubre de 2014 - De 12:00 a 20:00 (viernes 3 y sábado 4 el horario se extiende hasta las 21:00)
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Dónde
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Espacio Pilar Eventos (Chile 1963 – Salida Km 47 de Ruta Panamericana)
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Organizador
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Ana Spinetto Producciones
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· Más de 100 artistas consagrados y emergentes, en “contacto directo” con el público durante 5 días. Pintura, escultura, fotografía, dibujo, arte textil, objetos, instalaciones, Street Art, Land Art.
· Obra en formato chico (20cm x 30cm) a precios muy accesibles (hasta $900.-). Pinturas, dibujos y fotografía en formato chico se pueden enmarcar en la misma feria:Arte “prêt à porter”.
· Arte Sustentable. Propuesta de esculturas realizadas con material reciclado y LAND ART.
· Arte Orgánico. BADA y los Colegios de Zona Norte desarrollaron un proyecto imperdible. Los chicos elaboraron sus propios pigmentos orgánicos y presentan obra en la 3ra edición de la feria.
· Subasta de Cascos de Polo intervenidos por artistas coordinados por María Inés Haas. Cuatro series de cascos con motivos de la Argentina. Lo recaudado se destina a “Hogar Nuestra Señora del Pilar”, una ONG que alberga chicos en situación de riesgo y también los capacita en oficios.
Algunos artistas que estarán en BADA 2014 (www.directodeartista.com.ar) visitaron Espacio Pilar para ver los lugares en los que instalarán su obra. Ellos son Zelmira Peralta Ramos, Cande Caputo, Carlos Montany, María Inés Haas, María Gassiebayle, Sebastián Boado y Valeria Dupont.
El LAND ART va a contar con una propuesta divertida y original. María Gassiebayle (paisajista) y Vala Dupont (artista plástica) están confeccionando “telares naturales” para intervenir el bosque de BADA. “Pensamos en producir algo vegetal que no se deteriore con el tiempo” –afirmó María-. “Utilizamos ramas, hojas caídas, bellotas secas, semillas y también reciclamos retazos de género, bolsas de residuos, gruesos cables de fibra óptica, alambres, sogas e hilos”.
En pintura, Zelmira Peralta Ramos presentará obra realizada con diferentes técnicas y con muy diversos tratamientos del color. Es una artista muy versátil que imprime emoción en cada una de sus obras. “Me divierte cambiar. No me identifico con nada específicamente. Presentaré técnicas muy variadas, óleos y acuarelas. Figurativo y abstracto. Pintura y collage. Quiero sorprender al público”.
También estará en BADA 2014 Cande Caputo, una artista plástica muy joven con una sensibilidad exquisita. Una promesa para el arte contemporáneo local. Exhibirá obra figurativa y no figurativa, con diferentes técnicas y soportes. Por ejemplo, presentará una serie demujeres que no están relacionadas con el mundo tecnológico: mujeres sencillas con gran expresión; rostros que transmiten emoción pura; madres e hijos; mujeres de la tierra. Retratos de mujeres realizados con espátula sobre madera en diferentes tonos de ocres y marrones.
Por primera vez en la Argentina, el artista Carlos Montani presenta su instalación “Aqua Planetae”, una colección de aguas de diversas partes del mundo atesoradas como una obra de arte, preservadas, conservadas y catalogadas. Se trata de una obra “viva”, que crece permanentemente. Cerca de 1.500 botellitas transparentes de vidrio perfectamente clasificadas pretenden generar una toma de conciencia a favor del cuidado del agua y el medio ambiente; buscan transmitir la noción de que todos somos iguales ante la “sed”, el agua nos hermana. Esta colección de agua es un legado para generaciones venideras. Con esta obra tan original Montani quiere “fomentar entre los pueblos del mundo –sin distinción de creencias, cultura, etnias o géneros- valores como la transparencia, la ética y la concientización para transitar el camino de la sustentabilidad”.
Sebastián Boado, un escultor que se caracteriza por utilizar en sus obras material reciclado de origen muy diverso, presentó uno de los niños de la nueva serie que está elaborando: “Seres de luz”. Una obra más emocional que pretende despertar en el otro algún sentimiento profundo que permita recapacitar sobre el respeto, la solidaridad, la piedad, la sinceridad. Los niños son almas puras que sin filtro expresan lo que sienten y que, de alguna manera instintiva, saben lo que está bien, lo que es bueno para el otro. Un llamado a rescatar esos valores.
Por su parte, la artista plástica María Inés Haas, además de presentar sus pinturas, este año trae una muestra colectiva que ella misma coordinó y organizó junto a otros artistas plásticos en el marco de una gira mundial de promoción de la Argentina como destino turístico internacional. Se trata de una colección completa de Cascos de Polo intervenidos por artistas argentinos. Será la primera vez que se exhibe en nuestro país toda la colección, incluso una nueva serie sobre Buenos Aires se exhibirá por primera vez ante el público en BADA 2014. Los cascos están agrupados en series según diferentes temáticas inspiradoras: Parques Nacionales, Centros de Esquí, la Ruta del Vino, que fueron exhibidos en varios lugares del mundo como Dubai, Marruecos, Colombia, Perú. En el marco de la feria de arte contemporáneo, los cascos se subastarán a beneficio del Hogar Nuestra Señora del Pilar (www.hogardelpilar.com.ar ), que alberga a chicos derivados por un juzgado de menores, de entre 4 y 18 años. Con la ayuda de particulares, ofrecen talleres de oficios, no sólo para chicos del hogar sino también para chicos de la calle que se encuentran en situación de riesgo.
La novedad de este año es el lanzamiento del “Espacio Joven BADA”. En formato “directo de artista”, un lugar especialmente concebido para que nuevos talentos con alto potencial tengan la oportunidad de mostrar su obra y cautivar a miles de personas. Artistas de entre 18 y 25 años.
Este año, vuelven los “artistas con la boca y con el pie”. En esta edición, van a invitar a otros artistas y al público a pintar con ellos. La obra se donará a la Municipalidad de Pilar, que definirá a qué institución será destinada.
Luego del éxito del catálogo digital de BADA 2013, este año vuelve a tener el mismo formato. El público, mediante un QR, puede bajar sin costo el catálogo con la obra y los datos de todos y cada uno de los artistas que participan en la feria. Un formato sustentable y fácil de compartir con amigos, para contagiarles el gusto por las nuevas propuestas de arte que se exhiben en BADA 2014.
Es importante destacar la generosidad de los artistas argentinos desde diferentes aspectos. En BADA 2014, Milo Lockett ofrece una obra cada día para sortear entre los visitantes.
La entrada a BADA 2014 será de $50.- por única vez. Se entrega una pulsera al visitante, con la que puede regresar durante los cinco días de la muestra.
Y para fomentar el coleccionismo de quienes todavía no se animan a comprar obra original “directo de artista”, BADA facilita el hecho de empezar una colección. Los más de 100 artistas contarán con obra en formato chico (20cm x 30cm) a precios de hasta $900.-, que se podrá enmarcar en pocos minutos dentro de la feria y llevar a casa “listo para colgar”.
Como en años anteriores, la gastronomía estará a cargo de Art Catering, que ofrecerá un menú especial para la feria de arte contemporáneo, en su restaurante instalado en una carpa marroquí en medio de uno de los parques.
jueves, 18 de septiembre de 2014
Una breve historia de la arquitectura moderna a través del cine
Una breve historia de la arquitectura moderna a través del cine
publicado en Architizer
Con sólo visitar el nuevo Architizer por primera vez? ¿Te sientes un poco perdido en las referencias arquitectónicas: Art Deco, Modernismo, paramétricas? Podemos tener una solución fácil y divertida para usted, especialmente si usted es un amante del cine.Para su edificación arquitectónica y disfrute hemos reunido a todas las películas que ayudan a ejemplificar estilos-desde la arquitectura moderna del Art Nouveau hasta el final de finales de siglo con los diseños digitales de hoy. Así que coge tus palomitas y echa un vistazo a nuestra lista de abajo.
Art Nouveau (aprox. 1890-1914) + Midnight in Paris (2011)
Midnight in Paris sigue guionista de Hollywood Gil Pender mientras viaja entre París actual y el París de las décadas pasadas, el cumplimiento de sus héroes artísticos y literarios (Picasso, Hemingway, Gertrude Stein). Su mezcla de romance, comedia, fantasía y hace que sea una película muy agradable, no en lo más mínimo, porque se le trata a las líneas sinuosas y las superficies del Art Nouveau movimiento.
Midnight in Paris (2011) cuenta con las formas que fluyen de Art Nouveau. Foto: vía metropolisoftomorrow.tumblr.com
Art Nouveau, o literalmente "nuevo arte", también se conoce como Jugendstil (Alemania), secesionista (Austria), Stile Liberty (Italia) e incluso Yachting Style (en francés otra vez). Se puede ver en las formas de floración y curvilíneas de las decoraciones de mesa, muebles, y de la pared de arriba. Surgió en la década de 1890 en toda Europa como artistas y arquitectos estaban buscando un nuevo estilo que le conviene a la llegada del siglo moderno.
El interior del Hôtel Tassel (1894) con sede en Bruselas y diseñado por Victor Horta. Foto: vía 19thcentury.wordpress.com
Antes de Art Nouveau, los diseñadores habían mirado a la arquitectura antigua o medieval en busca de inspiración, sino que estaba a punto de cambiar. Algunos arquitectos que buscan nuevos patrones decorativos comenzaron a pensar en las curvas y formas complejas de la naturaleza, plantas específicamente, como una posible fuente para el estilo del futuro. Las escaleras en el Hotel Tassel (foto arriba) ejemplifican esta idea. Efecto de Art Nouveau en la arquitectura fue corta pero memorable, sobre todo cuando se piensa en sus múltiples diseños gráficos todavía populares. Sin embargo, no debe ser confundido con su contemporáneo, el movimiento Arts and Crafts. Mientras Artes y Oficios se centró en un rendimiento global de la artesanía individual, de estilo Art Nouveau fue más acerca de una nueva visión de las artes decorativas.
Futurismo (1909 - 1914) + El quinto elemento (1997)
Los rascacielos densos y rápidos (incluso peligroso) el transporte del quinto elemento se hace eco de las aspiraciones urbanas de los futuristas. Foto: vía scifiinterfaces.wordpress.com
Aunque los propios edificios de El quinto elemento parece tener un estilo únicamente ecléctico, no hay duda de que la ciudad de Nueva York del siglo 23 es el sueño de un futurista hecho realidad. La película en sí se encuentra en el futuro lejano y cuenta una historia clásica del bien contra el mal con un toque saludable de la comedia, el romance y la extravagancia de ciencia-ficción. Las primeras escenas de la película (después de un breve retroceso a 1914) se llevan a cabo en Nueva York, una ciudad que se ha ampliado hasta alcanzar proporciones titánicas. Flying coches carrera a través del aire, zumbando entre los imponentes rascacielos. Innumerables senderos conectan estas inmensas estructuras, dando la sensación de que la ciudad está llena de movimiento fuera y dentro.
Arquitecto Antonio Sant'Elia (1888 - 1916) también prevé imponente y formas interconectadas que una sociedad futurista sería habitar. Foto: TintoMeches vía en.wikipedia.org
El quinto elemento 's la ciudad de Nueva York es la viva imagen de lo que los futuristas querían el futuro para que parezca. Como demostró el Art Nouveau, el cambio de siglo fue un tiempo de experimentación de la arquitectura. Los futuristas (inicialmente todo italianos) estaban obsesionados con las fábricas, el ruido, la velocidad, la violencia y el peligro. Estas ideas plasmados todos los aspectos más interesantes de la nueva era de las máquinas que estaban empezando a experimentar. La electricidad, el motor de combustión interna, y otros avances dejaron los italianos convencido de que el futuro iba a ser rápido, trabajador, y en negrita.
Los primeros futuristas eran poetas, pintores y escultores, aunque pronto influenciados arquitecto Antonio Sant'Elia; en 1914 se produjo la Città Nuova, una serie de dibujos que proyecta una metrópolis industrial de formas imponentes poderosos. Sus edificios expuestos su construcción moderna (acero, hormigón, vidrio), así como todo el lenguaje arquitectónico de la infraestructura y la industria. El quinto elemento adopta estilos arquitectónicos eclécticos de la ciudad de Nueva York, pero mantiene toda la cacofonía, el movimiento, y el peligro de una megalópolis futuristas. En cuanto a los propios futuristas, durante la Primera Guerra Mundial que con entusiasmo se alistaron en el ejército italiano para disfrutar de la emoción de la batalla moderno, aunque muchos fueron asesinados y el movimiento perdió su impulso después de la guerra.
Art Deco (1912-1929) + Metropolis (1927)
Metropolis (1927) describe un futuro distópico que fue fuertemente influenciado por la ciudad de Nueva York de 1920 Art Deco. Foto: vía cinematicfilmblog.com
Temprana obra maestra de ciencia ficción de Fritz Lang representa un futuro dividido entre las élites que controlan y unas trabajadoras de clase baja-síntomas de la industrialización que se había transformando intensamente el tejido social de Europa a lo largo de las décadas anteriores. La parcela es de un joven que debe mediar entre los dueños de las fábricas y sus trabajadores como escalada del conflicto entre los dos grupos crea el caos en toda la ciudad. Aunque Metropolis contiene elementos de otros estilos arquitectónicos desde el gótico hasta el futurista-Lang fue fuertemente influenciado por imponentes rascacielos Art Deco de la ciudad de Nueva York durante su visita allí en 1924.
Buffalo City Hall en Buffalo, Nueva York, diseñado por Dietel, Wade & Jones en 1931 La Gran Depresión detuvo la mayoría de los nuevos proyectos de arquitectura en 1929, con algunas excepciones como este Ayuntamiento. Foto: Daderot través en.wikimedia.org
Art Deco tuvo comienzos nebulosos en París durante los salones de 1912. Raymond Duchamp-Villion, hermano de Marcel Duchamp, diseñó un conjunto de adornos interiores cubistas que se exhibieron en el Salon d'Automne del otoño y los Salones de París. Esto fue bastante el golpe de Estado, como los salones eran acontecimientos fundamentales en el mundo del arte internacional. Estas exposiciones representan una oportunidad para que los artistas compiten por el reconocimiento y patrocinio, así como para las ideas y estilos para propagarse a través de la comunidad artística.
El estilo Duchamp-Villion, efectivamente, se propagan a través de las manos de los arquitectos más establecidos como Peter Behrens y Josef Hoffmann. Sin embargo, a diferencia de Duchamp-Villion, estos arquitectos estaban más interesados en la venida de la máquina era de la industrialización y el diseño industrial. El estilo mixto resultante adquirió una vida propia en manos de varios diseñadores a lo largo de la década de 1920, caracterizada por líneas angulares, superficies ricas y figuras estilizadas.Se ganó su nombre "Art Deco", más adelante en el 1925 Exposición Internacional de Artes Decorativas e Modern Industrial.
Escuela de la Pradera (finales de los 19 a principios del siglo 20) + muerte en los talones (1959)
North by Northwest cuenta con una casa basada en la obra del maestro Escuela Prairie Frank Lloyd Wright. Foto: vía ghaas.tumblr.com
Este thriller clásico de Alfred Hitchcock presenta Cary Grant como un ejecutivo de publicidad que ha arrastrado a un mundo peligroso de espías e intrigas cuando está secuestrado por error en las calles de la ciudad de Nueva York. Durante la película, el personaje de Grant se cuela en la residencia ladera del villano, la foto de arriba, que era el propósito-hecho para parecerse a un estilo Prairie Frank Lloyd Wright casa. El exterior es una pintura mate, mientras que el interior fue construido como un escenario de película. Arquitectura Escuela Prairie, real o de lo contrario, por lo general cuenta con una fuerte horizontalidad, interiores muy abiertos, y los materiales locales.
La Robie House (1910) en Hyde Park, Chicago se cita a menudo como el mejor ejemplo de la arquitectura de la escuela de la pradera. Fotos: vía cesww.com y about.com
La escuela de la pradera que el equipo de producción de la muerte en los talones con tanta precisión imitado (en el exterior por lo menos) fue el resultado de dos tendencias: una reacción contra la industrialización en las artes (llamado los movimiento Arts and Crafts) y la búsqueda de una forma única de América estilo arquitectónico. El movimiento Arts and Crafts comenzó en Gran Bretaña y floreció en Europa en la segunda mitad del siglo 19. Fue dirigido por los diseñadores y luminarias como William Morris (1834-1896) y John Ruskin (1819-1900). Al mismo tiempo, los arquitectos como Louis Sullivan (1856-1924) y su discípulo Frank Lloyd Wright (1867 - 1959) buscaron inspiración en el paisaje americano abierto para diseñar una nueva arquitectura única nativa. La confluencia resultante de las filosofías creado filosofía "orgánica" de la escuela de la pradera que la arquitectura debe surgir de la perfección, y encajar dentro, sus escenarios naturales. Fue el más famoso practicado por Wright, además de un montón de otros arquitectos americanos.
Arquitectura fascista (aprox 1922 -. 1942) + Equilibrium (2002)
Equilibrio fue filmada principalmente en Berlín para hacer uso de su antigua arquitectura fascista. Foto: wallpapersus.com
La arquitectura fascista no es fácil en los ojos, y su efecto en el equilibrio no es una excepción. Esta película está protagonizada por Christian Bale para hacer cumplir de elite en un estado orwelliano que tiene emociones fuera de la ley y exige la obediencia total a partir de sus ciudadanos. Su personaje lucha a su manera a través de una ciudad-fortaleza en lo profundo de las ruinas de una metrópolis devastadas por la guerra. La película fue rodada principalmente en Berlín con el fin de hacer uso de sus decrépitos edificios de Alemania del Este, así como sobras de la arquitectura fascista del reinado de los nazis en los años '30 y '40. Esta arquitectura se basa en una escala inhumana, cuenta con poco ornamento, y diseñado con simetría opresiva y regularidad.
El Palazzo della Civiltà Italiana se terminó en 1943, aunque fue pensado para una exposición 1942 del mundo en Roma. Foto: Blackcat través it.wikimedia.org
Es difícil pasar por alto el mensaje en las formas austeras respaldadas por los líderes fascistas: El Estado es la fuerza dominante en todas las facetas de la vida pública y privada. Arquitectura fascista fue más prominente en Italia y Alemania, con el italiano Benito Mussolini ser el primero en llegar al poder en 1922, la arquitectura fascista en Italia nació de la compleja conciliación entre la arquitectura racionalista moderna (piensen en: materiales modernos como el acero, el vidrio, etc ) con la arquitectura clásica griega y romana. El estilo resultante se manifestó en edificios como el Palazzo (visto arriba), que se hace eco el Coliseo pero con simetría rectilínea y superficies desnudas. Alemania nazi también adoptó un clasicismo sombrío que estaba destinado a significar fuerza y estabilidad del partido nazi. Ambos países, aunque sobre todo Alemania, desplegaron la arquitectura fascista a escala imponente que podrían albergar enormes mítines políticos.
Modernismo (principios del siglo 20 - hasta la fecha) + Playtime (1967)
Playtime toma un ángulo humorístico en un mundo de diseño modernista, la arquitectura y de otra manera. Imagen: via patchofyellowwall.files.wordpress.com
Alguna vez has querido entrar en un mundo de puro modernista de estar? Luego de Jacques TatiPlaytime podría ser justo lo que necesita. Las funciones de cine al lado de ningún diálogo, en lugar de confiar en el humor de la situación y de la comedia slapstick para retratar los absurdos del mundo moderno. Tati construyó un enorme conjunto que incluye un aeropuerto, oficinas, una exposición comercial, apartamentos, un jardín real, y un "carrusel de coches" (todos modernista impecablemente por supuesto). El minimalismo limpia de la ciudad europea moderna desmiente sus irracionalidades profundas que Tati resalta hábilmente para el efecto cómico.
Mies Van der Rohe 860-880 Lake Shore Drive, construido 1949 en Chicago, Illinois. Imagen: ThatOneGuy través skyscrapercity.com
La idea de la modernidad arquitectónica abarca los últimos 100 años y cuenta con una amplia gama de arquitectos y estilos arquitectónicos. Dicho esto, "modernismo" generalmente se refiere al minimalismo y el uso de materiales modernos como tipificado por el arquitecto Mies Van der Rohe. Aunque tuvo muchos contemporáneos que nosotros llamaríamos arquitectos modernos (Le Corbusier, Oscar Niemeyer, Louis Kahn, y Buckminster Fuller, sólo para nombrar unos pocos), que era de estilo racional de Mies vidriosa, que capturó el término "modernismo" en el lenguaje popular . Su enfoque de diseño ("menos es más") tenía sus raíces en el arte de la construcción, centrándose en los detalles de la estructura y la fachada de un edificio.
Brutalismo (1950 - 1970) y Dredd (2012)
El vasto paisaje urbano de Mega-City One es el hogar de imponentes proyectos de vivienda cuyos exteriores e interiores eco de una percepción negativa de la arquitectura brutalista. Imagen: via amazon.com
El estilo arquitectónico del brutalismo mucho tiempo se ha asociado con la construcción de bajo costo, la decadencia urbana y la experimentación social fracasado. Ese punto de vista es, sin duda refleja en Dredd , que sigue un día en la vida de un agente de la policía que lucha crimen en una sociedad distópica. Casi la totalidad de la película tiene lugar en el complejo de viviendas de árboles de melocotón, una enorme torre de apartamentos que podrían ser una ciudad en sí misma. La construcción opresiva es intencionalmente una reminiscencia de la vivienda social empobrecida ejecutado en un estilo brutalista.
La Unité d'Habitacion fue terminado en 1952 y diseñado por Le Corbuiser. Foto: vía blogs.brandeis.edu
Brutalismo consiguió su comienzo con los proyectos del arquitecto francés Le Corbusier a la Segunda Guerra Mundial, que con frecuencia ofrecieron hormigón en bruto, también llamados Bréton brut, un término que dio el nombre brutalismo. Brutalismo pronto fue adoptado en otros lugares, no sólo como un medio para reducir los costos, sino también como una manera de expresar una arquitectura más honesto y escultórica. No todas las estructuras brutalistas son necesariamente opresiva, aunque la asociación del estilo con la vivienda-junto sociales fracasado con su uso en grandes cívicas y académicas proyectos condujo a su descrédito actual.
Digital / paramétrico (contemporáneo) + Tron: Legacy (2010)
Tron: Legacy no sólo cuenta con un diseño que se asemeja visualmente el diseño paramétrico en el mundo real, sino que también se ocupa de cuestiones de la filosofía de diseño. Foto: vía tron.wikia.com
Arquitectura Digital / paramétrico no es tanto un estilo arquitectónico, ya que es una técnica arquitectónica. Es la capacidad de tomar dibujos y modelos, lo que los arquitectos utilizan como parte de su proceso creativo, y las embarcaciones en un modelo digital. Tron: Legacy sigue hasta el originalTron , aunque ambas películas cuentan la historia de un programador de computadoras transportado a una cámara digital mundo. Esta secuela, dirigida por un director con formación en arquitectura, aborda los problemas del diseño y la perfección en Tron universo electrónico infinitamente moldeable 's. La estética de Tron: Legacy , con su flujo formas orgánicas y las superficies limpias, se asemeja visualmente proyectos del mundo real de forma paramétrica diseñados.
El MAXXI: Museo de las Artes del Siglo XXI, diseñado por Zaha Hadid Architects y completado en 2009.
Vale la pena señalar una vez más que el diseño paramétrico no es tanto un estilo sino una técnica: Al diseñar digitalmente sus proyectos, arquitectos como Zaha Hadid y Frank Gehry son capaces de fabricar y construir edificios con formas orgánicas más fluidos. Eso no quiere decir que no existieran formas orgánicas antes de diseño paramétrico, ni tampoco significa que no se puede diseñar una forma no orgánica digitalmente, pero los recientes avances en los programas de diseño han hecho las formas más atrevidas factible. Arquitectos utilizan estas técnicas para sus propios fines individuales-en términos cómo tratan a la forma, fachada, estructura, y así sucesivamente, aunque sus formas sinuosas generalmente señalan su naturaleza digital. Por bondad digitales más otherworldy, echa un vistazo a nuestro artículo sobre las cualidades singularmente scifi de Daft Punkitecture !
8 Spruce Street de Frank Gehry Partner en Nueva York, terminó en 2010 Foto: vía greatspacestv.com
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