lunes, 28 de julio de 2014

Concurso Premio ArCiTec

sábado, 5 de julio de 2014

Se inauguró el Museo MADI / Escuela Kosice en Salta, Argentina

Se inauguró el Museo MADI / Escuela Kosice en Salta, Argentina

Kosice estuvo presente en la inauguración del Museo de Arte Madí y la Escuela que lleva el nombre del artista, en la estancia El Milagro, en La Candelaria, provincia de Salta.

El Museo Madí cuenta con obras, fotografías históricas y paneles informativos del grupo de arte de vanguardia argentino Madí, fundado en 1946 por Kosice, que aglutinó a artistas de todo el mundo en torno a los principios de abstracción, negación de la representación, creación total, e invención.

La Escuelita, por su parte, se propone acercar el arte a los chicos de las zonas aledańas a partir del apoyo de Gyula Kosice, del cual tomará el nombre.

Desde la creación de la primer escultura articulada y móvil de Latinoamérica (1944), la fundación de Arte Madí (1946), la utilización por primera vez en la historia del arte del gas neón (1946) y el agua (1948) en esculturas, la creación de obras lumínicas, hidrocinéticas y tecnológicas, la proyección de la Ciudad Hidroespacial, Kosice se ha convertido en el principal exponente de la vanguardia argentina en el arte contemporáneo.

Manifiesto Madí

Se reconocerá por arte Madí la organización de elementos propios de cada arte en su continuo. En ello está contenida la presencia, la ordenación dinámica móvil, el desarrollo del tema propio, la ludicidad y pluralidad como valores absolutos, quedando por lo tanto abolida toda injerencia de los fenómenos de expresión, representación y significación.

El dibujo Madí es una disposición de puntos y líneas sobre una superficie.

La pintura Madí, color y bidimensionalidad. Marco recortado e irregular, superficie plana y superficie curva o cóncava. Planos articulados, con movimiento lineal, rotativo y de traslación.

La escultura Madí, tridimensioanalidad, no color. Forma total y sólidos con ámbito, con movimiento de articulación, rotación, traslación, etc.

La arquitectura Madí, ambiente y formas móviles, desplazables.

La música Madí, inscripción de sonidos en la sección áurea.

La poesía Madí, proposición inventada, conceptos e imágenes no traducibles por otro medio que no sea el lenguaje. Suceder conceptual puro.

El teatro Madí, escenografía móvil, diálogo inventado.

La novela y cuento Madí, personajes y acción sin lugar ni tiempo localizados o en lugar y tiempo totalmente inventados.

La danza Madí, cuerpo y movimientos circunscriptos a un ambiente medido, sin música.

En los países que alcanzaron la etapa culminante de su desarrollo industrial, el viejo estado de cosas del realismo burgués desaparecido casi totalmente, en ellos el naturalismo se bate en retirada y se defiende muy débilmente.

Es entonces, cuando la abstracción, esencialmente expresiva, romántica, ocupa su lugar. En este orden están involucradas las escuelas de arte figurativo desde el cubismo hasta el surrealismo. Tales escuelas han respondido a necesidades ideológicas de la época y sus realizaciones son aportes inestimables a la solución de los problemas planteados a la cultura de nuestros días. No obstante ello, su tiempo histórico debe darse por pasado. Por otro lado su insistencia en el tema “exterior” a sus cualidades propias es un retroceso al servicio del naturalismo contra el verdadero espíritu constructivo que se extiende por todos los países y culturas, como es el caso del expresionismo, surrealismo, constructivismo, etc.

Con lo concreto –que, en realidad, es un gajo más joven de ese espíritu abstraccionista– se inicia el gran período del Arte No Figurativo, donde el artista, sirviéndose del elemento y su respectivo continuo, crea la obra en toda su pureza, sin hibridaciones y objetos extraídos a su esencia. Pero en “lo concreto” hubo falta de universalidad y consecuencia de organización. Se cayó en hondas e insalvables contradicciones. Se conservaron los grandes vacíos y tabúes del arte antiguo, como ser en la pintura, escultura, poesía, etc., respectivamente la superposición, marco rectangular, atematismo plástico; lo estático, la interferencia entre volumen y ámbito; proposiciones e imágenes gnoseológicas y traducibles gráficamente. La consecuencia de ello fue que el arte concreto no pudo oponerse seriamente, por intermedio de una teoría orgánica y práctica disciplinaria, a los movimientos instruccionistas, que, como el surrealismo, han ganado para sí todo el universo. De ahí el triunfo a pesar de todas las condiciones en contrario, de los impulsos instintivos contra la reflexión, de la intuición contra la conciencia; de la revelación del subconsciente contra el análisis frío, el estudio y la detención rigurosa del creador ante las leyes del objeto a construir; del simbolismo, de lo hermético, de la magia contra la realidad; de la metafísica contra la experiencia.

En cuanto a la teoría y conocimiento del arte, campea en ellos la descripción subjetiva, idealista, reaccionaria.

Resumiendo, el arte antes de Madí:

Un historicismo escolástico, idealista.

Una concepción irracional.

Una técnica académica.

Una composición unilateral, estática, falsa.

Una obra carente de verdadera esencialidad.

Una conciencia paralizada por sus contradicciones sin solución; impermeabilizada a la renovación permanente de la técnica y del estilo.

Contra todo ello se alza Madí, confirmando el deseo fijo, absorbente del hombre de inventar y construir objetos dentro de los valores absolutos de lo eterno, junto a la humanidad en su lucha por la construcción de una nueva sociedad sin clases, que libere la energía y domine el espacio y el tiempo en todos sus sentidos y la materia hasta sus últimas consecuencias. Sin descripciones fundamentales referentes a la totalidad de la organización no es posible construir el objeto ni hacerlo penetrar en el orden constante de la creación. Es así como el concepto invención queda definido en el campo de la técnica y el de creación como una esencia definida totalmente.

Para el madismo, la invención es un “método” interno, superable, y la creación una totalidad incambiable. Madí, por lo tanto, INVENTA Y CREA.

Buenos Aires, 1946

Gyula Kosice

Fundador de Arte Madí, es ante todo un poeta que se anima a rebasar, sin demasiadas vacilaciones, el marco de las convenciones consagradas por la academia e inclusive por las vanguardias. Este empeńo lo explicitó y lo practicó de manera temprana a comienzos de los 40, en tiempos en que la academia y las vanguardias gozaban de buena salud y proponían límites y programas simultáneamente constrictivos. En una y otra dirección sus propuestas y su escritura infractoria se ubicaron provocativamente “en otro lugar”, asombrosamente excéntrico y fundacional, a la hora de reconocerle raíces, precedencias y deudas teóricas más o menos probables y exigibles.

No es arbitraria, en consecuencia, su voluntad de inscribirse en un territorio de exploraciones múltiples, que incluyeron la escultura, la pintura, la poesía, la teorización estética, la inventiva filológica, el urbanismo, y, dentro de este mismo campo, la utopía (por lo menos en términos presentes) de la Ciudad Hidroespcial, como suma de un emprendimiento de profundas raíces humanísticas, sustentado a la vez por las posibilidades complementarias de la tecnología, el arte y las ciencias, visitadas ya por Kosice en los tiempos de sus tempranas investigaciones con lo lumínico, lo cinético y la presencia esencial del agua.

Síntesis biográfica

Nació en la ciudad de Kosice en 1924.

Escultor, plástico, teórico y poeta argentino, es uno de los precursores del arte de vanguardia cinético lumínico. Estudió dibujo y modelado en academias libres.

1940- Primeros Dibujos, pinturas y esculturas no figurativas. Estudio e investigación de la obra de Leonardo Da Vinci. Poemas y escritos sobre el arte interdisciplinario.

1944- "Röyi". Escultura articulada y móvil, nombre inventado.

1944- Cofundador de la revista "Arturo", del griego “arktos”, osa, y ouros, guardián, estrella más brillante de la constelación de Boyero.

1945- Cofundador "Arte Concreto-Invención" en la casa del Dr. Enrique Pichon Riviere.

1945- Organizó la 2ş muestra de "Arte Concreto-Invención" en la casa de la fotógrafa Grete Stern, Ramos Mejía.

1945- Publicación de "Invención". Poemas, esculturas móviles y textos teóricos.

1946- Fundador del Movimiento Arte Madí. Exposición en el Instituto Francés de Artes Superiores - Van Riel. Autor del Manifiesto Madí y la designación del nombre Madí (proveniente de “Madrí, Madrí, no pasarán” de los republicanos espańoles) Pinturas Madí con planos y color articulados.

1946– Por primera vez utilización del gas neón en obras de arte en el plano internacional.

1947- Primera exposición personal de Arte Madí en el Bohemien Club, Galerías Pacífico, asimismo la primera muestra totalmente no figurativa en Latinoamérica.

1947- Fundador y publicación de la revista "Arte Madí Universal", ocho números aparecidos.

1948- Exposición Madí en Réalités Nouvelles, París.

1948- Dibujos y propuesta de "La Ciudad Hidroespacial" que vertebra su declaración en "Arturo": "El hombre no ha de terminar en la tierra".

1949- "Hidrocinetismo". Agua, luz, movimiento. Creador de la escultura hidráulica, introdujo el agua como elemento esencial de sus obras. Por primera vez, utilización del agua, en el plano internacional.

Ha realizado esculturas monumentales, recorridos hidroespaciales, hidromurales, etc.

Presentó 50 exposiciones individuales y más de 500 muestras colectivas y publicó 18 libros. Ha sido distinguido con el grado de "Caballero de las Artes y las Letras" por el gobierno de Francia en 1989, y en 1991 realizó su exposición retrospectiva en el Museo Nacional de Bellas Artes. Recibió el premio a la Trayectoria en Artes Plásticas, otorgado por el Fondo Nacional de las Artes, 1994.

Fue ganador del Premio Di Tella en 1997 y del Premio Konex en 1982 (Objetos) y 2002 (Escultura). Fue declarado Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires. "Anticipaciones" Centro Cultural Recoleta. Participó en la Exposición "Big Bang", Centro Pompidou, París, 2005. Fue homenajeado en el Senado de la Nación en el 2006 y recibió el Premio Cultura Nación 2007.

Sus obras figuran en museos y colecciones privadas de la Argentina, América Latina, Estados Unidos, Europa y Asia.

Por sus 70 ańos de trayectoria se lo considera un visionario en el arte contemporáneo.

viernes, 4 de julio de 2014

Arte y Cultura Revolución digital: Umbrellium

Arte y Cultura Revolución digital: Umbrellium

publicado en Hunger TV

Toda la semana vamos a hablar de algunos de los artistas que participan en la última exposición del Barbican, Revolución Digital . Que va desde hoy hasta el 4 de septiembre, la exposición histórica permite a los visitantes explorar las formas en que las tecnologías digitales han impactado nuestras vidas, sobre todo en las artes.

Nitipak 'Dot' Samsen de Umbrellium nos habla de 'assemblance', el campo de luz interactivo tridimensional láser que explora nociones de la realidad y de la comunidad, además de facilitar a los participantes que tienen un montón de diversión.

USTED ES UN EQUIPO GRANDE DE ARTISTAS trabajar en colaboración. Lo que atrajo QUE TRABAJAN JUNTO BAJO UN NOMBRE?

Umbrellium es una nueva empresa que se ha reunido a las personas creativas de varias disciplinas. Todos hemos trabajado juntos antes en diferentes proyectos, sobre todo a mí mismo y Usman, así que decidimos venir junto con el deseo de crear trabajo participativo que permite a las personas a transformar sus ciudades.

CÓMO SERÁ SU INSTALACIÓN DEMOSTRAR EL IMPACTO REVOLUCIÓN DIGITAL ha tenido en el mundo del arte?

Assemblance es una exploración de la participación, en lugar de una demostración de la revolución digital. Nuestra intención en este caso, a partir de nuestros orígenes en la arquitectura y el diseño de la infraestructura urbana en red, es explorar cómo las personas se relacionan entre sí y con su medio ambiente de los alrededores y cómo pueden crear y colaborar en la construcción de sus propios entornos y experiencias.

Usted se centra en observar y documentar el arte a través COMPORTAMIENTO DE LA SOCIEDAD EN RESPUESTA A SU ENTORNO. CON ANTERIORES INSTALACIONES QUE HAYA HECHO PÚBLICO TRABAJE CON LA CIUDAD QUE VIVEN EN EL ARTE DE CREAR INNOVADORAS INSTALACIONES. De dónde vino la inspiración para documento de la Sociedad viene?

No estamos 'documentando' sociedad tanto como la construcción de sistemas que ayudan a fomentar la participación entre las personas y sus entornos. Con una sólida formación en la arquitectura, que hemos sido durante mucho tiempo interesado en cómo las personas se relacionan entre sí y los espacios alrededor de ellos y así nuestras obras muy a menudo tienen lugar en el espacio público y permitir a la gente a convertirse en actores en un escenario urbano.

LA EXPOSICIÓN PRÓXIMO CELEBRA LA PROGRESIÓN DE ARTES DIGITALES DE 1970. ¿Cuál crees que fue el momento más PIONERO EN LA REVOLUCIÓN HASTA AHORA?

Ponemos percepciones, experiencias y colaboraciones de la gente a la derecha en el centro del proyecto, ya que, especialmente en el contexto de la evolución tecnológica, que significa que las personas ahora pueden tener un efecto en el otro lado del mundo casi instantáneamente (para bien o para mal), íntimo y la participación hiperlocal se vuelve aún más importante y la cuestión de nuestra responsabilidad y nuestra culpabilidad, uno hacia el otro se tira hacia arriba de manera que no ha estado antes. En Umbrellium estamos trabajando para desarrollar nuevas maneras de trabajar juntos, en lugar de uno contra el otro, y 'assemblance' es una parte particularmente deliberada de ese proceso.

¿CUÁL ES EL DESCUBRIMIENTO más fascinantes que ha efectuado en estos proyectos?

Hemos aprendido que la capacidad de las personas para rescripto lo que pensábamos que iban a hacer dentro de los límites del proyecto es casi ilimitada - descubren nuevas formas de interactuar con las obras de arte que nosotros, como diseñadores del sistema, que nunca habría imaginado. Las personas, en calidad de participantes y no sólo 'visitantes' completa la obra, porque en esencia que lo realizan.

SU INSTALACIÓN 'assemblance' será su primera obra de arte INTERIOR. Aunque hay un ligero cambio en la dinámica, cree usted que el trabajo tendrá el mismo impacto en la audiencia y provocar una reacción similar?

Trabajar en el interior tendrá un impacto muy diferente. En proyectos anteriores, trabajando al aire libre en el espacio público, sobre todo con luces interactivas y láser, que a menudo tenía que descartar experimentos que eran demasiado sutiles como para tener mucho sentido en el contexto de un desordenado, ciudad ventosa ruidoso. En el Barbican, sin embargo, el ambiente controlado de un espacio vacío del teatro nos daría alcance mucho más amplio para explorar los detalles finos de la interacción y la participación, así como a un período de producción generosa en la que para refinar estos. Dos temas que nos excitaban surgieron muy pronto: en primer lugar, la idea de utilizar la luz como si se tratara de un objeto sólido y material; y segundo, la exploración de la distinción un tanto borrosa entre "física" y "virtual" que es desafiado por las tecnologías digitales.

DONDE PUEDES VER EL FUTURO DE ARTES DIGITALES QUE TOMA UMBRELLIUM?

No tendemos a hacer predicciones, pero lo que sabemos, en base a la experiencia pasada es que siempre se centra en las personas y sus experiencias.

¿QUÉ PIENSAS VISITANTES quitará LA EXPOSICIÓN REVOLUCIÓN DIGITAL?

No estoy seguro de lo que van a quitar de la exposición en su conjunto porque yo sólo puedo hablar por el trabajo que estamos haciendo en Umbrellium (hay docenas de otras piezas), pero espero que, a partir de nuestra pieza, que se llevará distancia un sentido de logro, admiración y contemplación suave.

Obtenga más información sobre Umbrellium en su página web.

Revolución Digital va desde 3 julio a 14 septiembre en el Barbican. Más información aquí.

domingo, 15 de junio de 2014

Obras ganadoras de la tercera Bienal Latinoamericana del Premio Kosice Arte Ciencia y Tecnologia

Obras ganadoras de la tercera Bienal Latinoamericana del Premio Kosice

Arte Ciencia y Tecnologia

La productora cultural Objeto a presenta a los ganadores de la tercera edición del Premio Bienal Kosice, en esta ocasión, de alcance latinoamericano. Los premios, menciones y selecciones conformarán una muestra a realizarse en septiembre próximo en el Centro Cultural Borges. Se presentarán instalaciones hipermediales interactivas, esculturas cinéticas interactivas, objetos cinético lumínicos, instalaciones robóticas interactivas, instalaciones bioartísticas, entre otras expresiones de arte de vanguardia del siglo XXI.

La obra ganadora resultó: “Los sonidos de la empatía”, de Federico Joselevich Puiggrós, (Argentina) una Instalación Objeto-Musical, un hidrorgano.

En tanto que el Segundo Premio fue para Diego Paonessa, (Argentino, residente en Barcelona) con la obra “Levitación de una gota de agua”.

ABAJO EN EL CUERPO DEL DOCUMENTO DETALLE DE ESTOS DOS TRABAJOS Y DEL RESTO DE LOS PROYECTOS PRESENTADOS EN ESTA NUEVA EDICIÓN.

Las numerosas consultas y propuestas recibidas en esta tercera convocatoria dan cuenta del reconocimiento internacional de la figura del maestro Kosice y de la consolidación de la bienal en el ámbito “Arte-ciencia-tecnología”

El blog de la Bienal recibió 40 mil visitas, 14 mil de ellas de 80 países distintos. Habiendo concursado participantes de 10 países de America latina, la Bienal Kosice se afianza no sólo como un premio nacional sino también latinoamericano.

Fecha de apertura de la muestra de las obras premiadas:

Septiembre 2014

CENTRO CULTURAL BORGES

Informes: 4773-0292 / bienalkosice@objeto-a.com.ar

+info: www.bienalkosice.com

Superando las visitas recibidas en el 2012 para la convocatoria de la segunda edición (25.000 visitas, 8.000 de ellas extranjeros de 44 países), el blog de la Bienal Kosice recibió para la convocatoria de la tercera edición 40 mil visitas, 14 mil de las cuales fueron de 80 países distintos. El sitio recibió visitas de todos los países de América, recibiendo proyectos de 10 países latinoamericanos. Este crecimiento evidencia la consolidación de la Bienal Kosice a nivel internacional y su posicionamiento en el ámbito del “arte, la ciencia y la tecnología”.

Los proyectos presentados muestran a través del trabajo de investigación y artístico desarrollado por los concursantes, el creciente interés que la ciencia y la tecnología están cobrando en el campo artístico, marcando la importancia y reconocimiento de la figura del maestro Kosice, pionero e impulsor de la tríada “Arte, Ciencia y Tecnología”, acercándose a la consigna de la Tercera Bienal, “Utopias Kosiceanas”, los conceptos fundacionales, Invención-Creación y el pensamiento porvenirista que la consigna sustenta, tanto desde lo poético-conceptual como desde lo formal artístico.

Durante la exhibición, que tendrá lugar en el mes de septiembre en el Centro Cultural Borges, los asistentes podrán interactuar con obras como el Primer Premio “Los sonidos de la empatía”, de Federico Joselevich Puiggrós, (Argentina) una Instalación Objeto-Musical, un hidrorgano, “(…) que invita a reflexionar al respecto de las relaciones entre las personas. Trabaja con la hipótesis de que las personas establecen relaciones armónicas a partir de situaciones de empatía. Se afinca en la base del manifiesto Madí, en donde se establece que la música Madí es una inscripción de sonidos en la sección áurea. A través de una interfaz musical, la obra propone conectar a los participantes a través del recuerdo de los sonidos que el objeto genera, permitiendo al visitante componer, o modificar una melodía que el hidrórgano esté reproduciendo en ese momento. El hidrórgano produce sonidos al lanzar chorros de agua sobre discos de metal.”

Asimismo, podrán contemplar obras como la de Diego Paonessa, (Argentino, residente en Barcelona) acreedor al Segundo Premio, “Levitación de una gota de agua”, la obra “(…) reproduce una experiencia llevada a cabo en la investigación relacionada con las ondas acústicas (ya sean sonido, infrasonido o ultrasonido). Este fenómeno físico consiste en incidir en un objeto y/o materia en determinadas circunstancias y mediante el uso de ondas estacionarias para lograr que quede suspendido en el aire. El proyecto propone una solución metafórica y representa la expresión mínima de una idea o utopía” en este caso una gota de agua suspendida en el aire…síntesis perfecta de una utopía kosiceana. “Una utopía lo es hasta que deja de serlo” (Kosice)

…y seguir el recorrido por obras que los harán transitar por muy disimiles vivencias, interactuando en forma directa en ocasiones, contemplativa otras o conectándose a través de los sentidos o el movimiento, pero siempre co-creando, conformando el espacio para que la obra suceda.

Podrán así encontrar, entre otras, obras como:

“Lo que el viento hizo ahora”, Mención, Escultura cinética e interactiva de Daniel Iturrizaga, (Perú) quién busca crear una escultura (…) “que esté en constante transformación y que su cambio sea una constante orgánica. La escultura busca la idea de auto generación de sí misma, es un dialogo entre la obra y su entorno. Aquí se intenta romper esa barrera obra-espectador, donde el espectador se convierte en parte de la obra. Esta escultura cinética crea una oportunidad para cambiar el espacio en forma inusual, inesperado y poético, utilizando la combinación de objetos cotidianos, comportamientos físicos reales y tecnología”.

“Tríada”, Mención, de Luisa Pereira Hors y Manuela Donoso Lamas. (Brasil y Chile), “escultura lumínica interactiva que explora la relación entre armonía musical y armonía visual. TRíADA recrea y extiende un aparato inventado por el matemático Jules Lissajous en el siglo XIX para visualizar vibraciones sonoras: usando nuevas tecnologías, agrega una tercera dimensión, interactividad, y la coloca en un marco musical.

(…) toma tres entradas sonoras, y usa una pantalla volumétrica para representarlas en los ejes X, Y, Z, revelando el volumen de una armonía de tres voces a lo largo del tiempo. Así, tres interactuantes podrán visualizar transiciones –de un acorde tenso, disminuido, al reposo de un acorde mayor o al caos del ruido– y acercarse a la esencia de la armonía”.

“Eisenia”, Mención, Instalación Bioartística de Gabriela Munguía y Guadalupe Chávez.(México y Argentina) Instalación que conjuga el binomio artificial- orgánico para dar forma a una tecnología de producción e impresión de vida. Esta máquina de impresión orgánica, transforma y recicla por medio de organismos y procesos biológicos deshechos naturales, utilizados posteriormente como materia prima (hidronutrientes) para generar y sustentar nuevas formas de vida.

“Utopías : La relación entre lo orgánico y lo inorgánico”, Mención, Instalación visual de Cecilia V. Ivanchevich, Ignacio Maldovan y Esteban Insinger.(Argentina) “en el contexto del acelerado desarrollo sociotécnico contemporáneo, ahondamos sobre una posible estética donde lo inorgánico y lo orgánico entren en diálogo, recomponiendo así el equilibrio biocultural. Creemos firmemente que la reconfiguración de la expresión artística en este campo puede actuar como vanguardia, que exprese el del todo hacer y omitir, el todo del desear y del dar. (…) Una alianza conceptual entre el humanismo moderno y la filosofía de la técnica.

“Lágrimas del cosmos”, Mención, de Proyecto Untitled (Argentina)“Un espacio multidimensional. Lugar de ilusión, de virtualidad y realidad, el agua como luz y la luz como agua. Un espacio cósmico lumínico e infinito de lluvia que va y viene, que invita a los espectadores a conectarse y a eternizar ese instante”

“Alliss, máquina de retención de fluidez”, Instalación interactiva, proyecto de Joaquin Fargas (Argentina) que por su nivel de investigación y desarrollo tecnológico mereció por parte del jurado la habilitación de un tercer premio, “retoma el concepto del movimiento a partir de elementos naturales como el agua, líquido kosiceano, un elemento de cualidad fluídica de constante e intrínseco movimiento. De igual manera que los líquidos, existen otro estados de la materia con mucha más capacidad de fluidizado y movimiento, el plasma, estado más abundante del planeta Tierra y el universo visible. Alliss utiliza el concepto de cualidad fluídica a partir de la conjugación de la materia en sus diferentes estados y fuerzas. Este proyecto reúne el saber científico, tecnológico y artístico para explorar nuevas formas de comunicación colectiva y propone la actividad cerebral, el agua, el gas, la luz, el calor, la electricidad, el magnetismo y el cuerpo humano, todo ellos como médiums de dispersión y transformación de la materia y como posibles fuentes de energía y movimiento futuras del ser humano”.

Se presentarán también en este recorrido, obras especialmente seleccionadas e invitadas para integrar la exhibición, que junto a las mencionadas conducirán a los asistentes por el mundo de las “Utopias kosiceanas”.

“EL ideal porvenirista es como todas las utopías: al final existen. Vos lanzas la utopía y finalmente esta se cumple: es su destino”- Gyula Kosice –

Revista Ramona- Entrevista Rafael Cippolini, 2004

”el porvenirismo es un modo de transitar la contemporaneidad, haciéndonos protagonistas en la construcción solidaria de una nueva forma de vivir" – Gyula Kosice –

Kosice. Autobiografía, Buenos Aires, Asunto Impreso ediciones, 2010

"el arte, lenguaje universal que amplifica lo imprevisible, exalta la vida y hace florecer el concepto humanizante de invención y creación”- Gyula Kosice –

Kosice. Autobiografía, Buenos Aires, Asunto Impreso ediciones, 2010

“Una utopía lo es hasta que deja de serlo” – Gyula Kosice-

Premios:

Jurado: Graciela Taquini, Rodrigo Alonso, Mariela Staude por el Centro Cultural Borges, Enrique Rivera de Chile, representante de los países latinoamericanos y Tomas Oulton por Objeto a.

Presidente del Jurado: Gyula Kosice

Primer Premio:

Los sonidos de la Empatía

Instalación Objeto-Musical – Federico Joselevich Puiggrós - Argentina

Segundo Premio:

Levitación de una gota de agua

Objeto escultórico - Instalación sonora escultórica – Diego Paonessa - Argentina/España

Tercer Premio:

Alliss

Instalación Interactiva - Joaquin Fargas - Argentina

Menciones (por orden alfabético de los proyectos):

Eisenia – Instalación Bioartística – Gabriela Munguía y Guadalupe Chávez (Mexico / Argentina)

Lo que el viento hizo ahora – Escultura cinética e interactiva – Daniel Iturrizaga (Perú)

Triada – Escultura lumínica interactiva – Luisa Pereira Hors y Manuela Donoso Lamas (Brasil y Chile)

Utopías : La relación entre lo orgánico y lo inorgánico – Instalación visual - Cecilia V. Ivanchevich, Ignacio Maldovan y Esteban Insinger (Argentina)

Lágrimas del Cosmos - Instalación interactiva - Proyecto Untitled (Argentina)

SELECCIONES : el siguiente grupo está integrado por proyectos que han captado particularmente la atención del jurado y son invitados a formar parte de la exhibición (listados en orden aleatorio) :

Sinestesia robótica – Instalación robótica - Eduardo Atilio Bazzano - (Argentina)

Estampados biodinámicos – bio-arte - Luciana Paoletti (Santa Fé - Argentina)

IUPI – Instalación audiovisual interactiva - Colectivo estético Metaphorarq : Maria Jesús Huarte, María Eugenia García Bouza, María Silvia López Coda, María Antonia Nosiglia (Argentina)

Intuiciones numéricas – Instalación Mecatrónica compuesta por esculturas dinámicas comunicadas por radiofrecuencia. Claudia Valente (Argentina)

Huerta hipermedial - instalación hipermedial interactiva, organizada en torno a una huerta hidropónica plenamente funcional. Fernando Daguanno, Nicolás Melmann y Fabián Sguiglia. (Argentina).

ACERCA DE Objeto a: Objeto a es una productora de contenidos culturales que inició actividad a mediados del 2008. Desde sus inicios se ha especializado en la organización de eventos y acciones culturales interdisciplinarias, trabajando en torno a ejes temáticos abordados desde distintas perspectivas por profesionales de diversas áreas especializándose en los últimos años en proyectos que incentiven e impulsen la creación, investigación, experimentación y el desarrollo de obras en torno a la fusión de la tríada “Arte-Ciencia-Tecnología”.

Objeto a es creador, gestor y productor entre otros proyectos culturales de: la Bienal Kosice (www.bienalkosice.com) un concurso destinado a incentivar el desarrollo y producción de obras científico-artístico-tecnológicas inspiradas en la trayectoria del Maestro Gyula Kosice. Es también creador y productor de la primera exhibición en Argentina focalizada en la relación entre arte-videojuegos-sociedad: Game on! El arte en juego (www.gameonxp.com) y es la productora ejecutiva del concurso ArCiTec de la UTN FR BA http://www.arcitec.frba.utn.edu.ar/

domingo, 8 de junio de 2014

JR lienzos paris 'panteón con los retratos de todo el mundo

JR lienzos paris 'panteón con los retratos de todo el mundo

JR lienzos paris 'panteón con los retratos de todo el mundo

todas las imágenes cortesía de centro le des monuments nationaux

artista francés JR ha completado una instalación en una escala épica, de prospección de los elementos arquitectónicos interiores y exteriores de paris 'reconocido edificio panteón durante su renovación.encargado por el centro de des monuments nationaux , 'panteón au' deriva de curso de la artista "proyecto de adentro hacia afuera ', un programa de participación internacional que pide a la gente a tomar una foto y pegarlo en su comunidad, para apoyar una idea y difundir un mensaje.

los retratos acumulado crear una pista de aterrizaje fotográfica en blanco y negro en el centro del sitio

para esta iteración, dentro de uno de los sitios más famosos de la palabra, JR ha recogido cientos de retratos durante el mes de marzo 2014 con su viaje Photo Booth camión. las imágenes en blanco y negro amasado se han utilizado para crear un mosaico que es visible alrededor del tambor del edificio, bajo la cúpula, en ciertos lugares dentro de la monumento, y en el suelo, la creación de una pista de aterrizaje fotográfica en el centro del sitio.

bajo la cúpula, caras de todo el orden mundial de la superficie arquitectónica

imágenes recogidas de Photo Booth camión del artista se pegan alrededor del exterior del edificio

ARTDEMOCRACY, la revista de arte que hacía falta

La tapa la hizo Edgardo GiménezARTDEMOCRACY, la revista de arte que hacía falta

Acaba de lanzarse al mercado el segundo número de la revista ARTDEMOCRACY, una publicación de arte irreverente y de vanguardia que en esta edición se apoya en la contundencia artística y comunicacional de Edgardo Giménez, creador y protagonista de la atractiva carátula, y en una revisión a fondo del Pop.ar en la Argentina.

En esta cuerda incluye una visita ilustrada al MAR, nuevo museo marplatense que rinde homenaje a ese movimiento que revolucionó el arte en la década del 50 y un artículo ilustrado sobre Roy Lichtenstein de la fotógrafa Laurie Lambrecht.

En materia de artes visuales la edición se completa con dos contribuciones imperdibles: imágenes y textos de Luba Lukova, afichista búlgara radicada en Nueva Yok, cuya obra produjo un gran impacto en la gráfica y que integra el patrimonio del MOMA; y un artículo del crítico británico Julian Sapalding en el cual aconseja “si usted ha sido tan desafortunado de comprar un Damien Hirst, véndalo antes de que no valga nada”.

Hay también un paseo por la Barcelona secreta, artículos sobre ballet, teatro, una entrevista a Horacio Lavandera y misceláneas sobre el arte, la cultura, los paparazzi y las celebridades del mundo.
Bajo la dirección editorial del publicista Guillermo González Taboada, ARTDEMOCRACY es una publicación felizmente inusual: gran tamaño (24 cm de ancho por 34 de alto), tapa dura, papel de alto gramaje, ilustraciones e impresión de excelente calidad y un diseño moderno y atractivo.

miércoles, 4 de junio de 2014

grúas del astillero iluminados de Skira parecen origami en el cielo

grúas del astillero iluminados de Skira parecen origami en el cielo
publicado en DesignBoom

'Gigantes iluminación' transforma el paisaje nocturno de la ciudad croata de Pula, adaptando piezas de maquinaria industrial en una obra pública de arte. la iluminación del estudio de arquitectura diseño local Skiraha proyectado vigas de colores de iluminación en las grúas del astillero icónicos - característico de la orilla del mar ciudad - que se han posicionado para parecerse a las versiones en papel de origami plegado. la instalación caprichosa es controlado por un sistema remoto que las coreografías de su escenografía, iluminado con más de 16.000 combinaciones distintas. cambiando de tonalidades del arco iris a los verdes macizos, amarillos y azules, el espectáculo fascinante muestra un color diferentes a cada hora, durante unos 15 minutos cada vez. presentado a principios de mayo en el festival de Visualia , 'gigantes' de iluminación hace que el uso creativo del equipo industrial ya situada en el sitio y trae un sentido de la fantasía y la imaginación a la línea de costa.