Los secretos del Louvre

Los secretos del Louvre

publicado por Renfe

Y si hablamos de museos de de París, poca gente hay en el mundo que no conozca el Louvre, así que vamos a obviar detalles como que es uno de los más visitados del mundo o que una de las obras más célebres que se exponen en una de sus salas es La Gioconda de Leonardo Da Vinci… pues todos sabemos que es visita obligada para todo el que vaya por primera vez la capital francesa. 

No obstante, el Louvre esconde secretos que desconocen muchos de sus millones de visitantes anuales, incluso gran parte de la población de París, por ejemplo…

Solo esta expuesta a los visitantes la décima parte de su fondo artístico.

Panorámica del Museo del Louvre​

Aunque el museo dispone de un gran nombre de salas que albergan 35.000 obras de arte, en sus almacenes reposan más de 440.000 obras. El problema no es que las guarden celosamente a ojos del visitante, sino que simplemente, no hay más espacio. Éste fue uno de los motivos por los que se inauguró en 2012 una segunda sede en Lens, cerca de la frontera belga, que mejoró sensiblemente la economía de la ciudad, dañada por la crisis económica.

Un nuevo Louvre en los Emiratos Árabes

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Representación en 3D del museo en Abu Dabi - www.louvreabudhabi.ae/​

Museo Louvre Abu Dabi. Este es el nombre del nuevo museo que se inaugurará próximamente en la capital del Emir, pero tiene una parte de truco. Aunque el nombre del museo sea Louvre y las obras que se expongan en su interior sean parte del catálogo del homónimo francés, la realidad es que se trata sólo de un “alquiler” por 30 años. Los emiratos han comprado los derechos del nombre y la cesión de sus obras hasta el 2037. Ya veremos que ocurre pasado éste tiempo.

?Pinturas realizadas con corazones humanos reales , ¿leyenda o realidad?

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Gale​ría de pinturas,Museo del Louvre ​- Jon Westra, Wikimédia Commons​

A lo largo del siglo XVII, apareció una técnica pictórica realizada con “munie”, una sustancia segregada por el corazón humano, la cual se mezclaba con aceites y al aplicarse sobre el lienzo producía un efecto imposible de conseguir de ninguna otra forma.​

Esta técnica supuso que algunos de los monarcas de la época, cedieran sus corazones para ser embalsamados una vez fallecidos y adquiridos por pintores de renombre.

Uno de los cuadros expuestos en el Louvre, “Interior de una cocina” del célebre pintor Martin Drolling, cuentan que utilizó dicha técnica realizada con los corazones de Ana de Austria y la Duquesa de Montpensier. ¿Realidad o leyenda?

http://www.youvisit.com/tour/louvremuseum

BADA 2016 recibió 50.000 personas en La Rural

BADA 2016 recibió 50.000 personas en La Rural

El formato “directo de artista” fue un éxito en la Ciudad de Buenos Aires

· 50.000 visitas en 4 días de feria de arte contemporáneo en LA RURAL

· 250 artistas participaron en la 5ta edición de BADA

· 710 artistas pasaron por BADA, desde la 1ra hasta la 5ta edición

· 7.980 obras en exhibidas en BADA 2016

· 33.627 m2 de panelería – 33.516 en panelería de stands; el resto, para que los muralistas presentes en BADA 2016 crearan obra “in situ”, ante el público visitante

· Más de 300 litros de pintura utilizada por los artistas de Arte Urbano de BADA 2016 para realizar sus murales en la feria

La 5ta edición de BADA-Boutique de Arte Directo de Artista fue un éxito. En cuatro días 50.000 personas visitaron la feria de arte contemporáneo “directo de artista” y apreciaron las producciones de 250 artistas contemporáneos, consagrados y emergentes, desplegadas en 33.627 m2 de panelería. 

Los 8.000 m2 del Pabellón Verde de La Rural plantearon el escenario ideal para BADA 2016. Al ingresar, el público entraba en un túnel oscuro, iluminado solamente por los trajes de LED de actores de “7 sentidos, Serendib”, una Performance Lumínica de Cía. Garbach, realizada junto con Finkelstein, Libedinsky y Wiesz. Ese túnel transportaba a otra dimensión… un lugar donde todo puede suceder… el espacio ideal para “desconectarse” de las preocupaciones del exterior para “entrar en otro mundo”… Cartas de Tarot, luces que guiaban al visitante hacia el mundo de BADA, con la mente despejada y abierta a nuevas propuestas. La gente salía fascinada.

Una vez en la feria, 7.980 obras de dibujo, pintura, escultura, arte textil, fotografía, grabados, instalaciones, objetos intervenidos por artistas, body painting, performance y Arte Urbano. Los “grafiteros”, pintando murales gigantes a la vista de todos. Más de 300 litros de pintura se utilizaron para concebir las obras más diversas en el marco de BADA 2016.

El formato de venta de arte “directo de artista” llegó para quedarse y se instaló como una alternativa atractiva al circuito tradicional de galerías.

BADA es una feria de arte contemporáneo creada especialmente para facilitar la llegada de un público que no necesita tener profundos conocimiento de arte:

· Busca impulsar nuevos artistas y dar a conocer sus obras.

· Promueve la compra de obras originales de forma directa y accesible “directo de artista”. Cada artista que participa en BADA presenta, entre sus trabajos, 10 obras en formato chico, a un precio de hasta $1.500.- Y para facilitar el llevar obra “lista para colgar los compradores tienen la posibilidad de enmarcar estas obras dentro de la misma feria.

· Estimula el coleccionismo y el regalar arte con propuestas artísticas muy diversas, además de la posibilidad de conocer personalmente a los artistas detrás de las obras.

“Estamos muy contentos con el trabajo realizado” –aseguró Ana Spinetto, directora general y curadora de BADA-Boutique de Arte Directo de Artista-. “Orgullosos de nuestros 250 artistas y la diversidad de obra que pudimos mostrar a los visitantes. Año a año fuimos planteando nuevos desafíos que fuimos cumpliendo. Todo esto no sería posible sin el entusiasmo y la ilusión de los artistas, que trabajan duro para traer nueva obra a BADA, y del público, que nos visita expectante, abierto a apreciar las novedades que plantea cada edición. Gracias a todos por su apoyo y su confianza. Los esperamos en BADA 2017, también en La Rural”.

Acerca de BADA Boutique de Arte Directo de Artista

(www.directodeartista.com.ar)

En 2009, Ana Spinetto, que también es artista plástica, trajo el formato “directo de artista” a la Argentina con Arte Sí-Supermercado de Arte en el Hipódromo de San Isidro. En 2012, lanzó BADA-Boutique de Arte Directo de Artista en Pilar. Esta feria se creó para promover la difusión del Arte Contemporáneo ante el público en general. BADA se instaló como un nuevo polo de Arte en el mercado local; constituye un encuentro más sencillo y directo entre los artistas y quienes aprecian su obra. Esta propuesta ha potenciado el acercamiento de gente que no frecuenta el circuito de galerías de arte o remates, pero valora el arte en sus diferentes manifestaciones y le interesa adquirir obra de un modo más fácil y espontáneo.

BADA es un nuevo canal de difusión de arte contemporáneo que se integra a la dinámica tradicional de divulgación del Arte en nuestro país. Durante sus cinco ediciones, más de 80.000 personas conocieron BADA, su propuesta de encontrar obras “directo de artista” y las producciones más destacadas de artistas contemporáneos. 

En BADA, los artistas ilusionados comparten con el público un instante clave en el proceso creativo de sus obras. Los visitantes se entusiasman con el hecho de conocer personalmente a los artistas, hablar sobre su obra, vivir una experiencia muy original de apreciación del arte con la posibilidad –el valor- de acercarse a esos genios creadores. 

En las cinco ediciones de BADA participaron 710 artistas, consagrados y emergentes. 

Para saber más sobre BADA, visitar la página Web: www.directodeartista.com.ar

Bada 2016 la muestra de arte "directo de artista", este año en la ciudad de Buenos Aires en La Rural

Bada 2016 la muestra de arte "directo de artista", este año en la ciudad de Buenos Aires en La Rural

El miércoles 10 se realizo la presentación a la prensa, de su próxima exposición, en la galería de Milo Locket en Palermo Hollywood.

Un pequeño grupo de los mas de 250 artistas plásticos, que se "comunicaran" personalmente con el público asistente, entre el 1° y 4 de septiembre en La Rural,  se presento a la numerosa prensa que sigue a BADA desde su primera edición.

Esta es la 5a edición de esta feria de arte contemporáneo " directo de artista" que revoluciono la forma de comprar arte.

Ana Spinetto, organizadora a través de Ana Spinetto Producciones, nos comento que este año es un paso muy importante duplica el numero de artistas que se presentan (+ de 250 artistas, consagrados y emergentes, quienes presentaran sus recientes producciones de dibujo, pintura, escultura, textiles, fotografía, grabado, instalaciones, objetos de diseño y art street).

Acerca de BADA Boutique de Arte Directo de Artista

En 2009, Ana Spinetto, que también es artista plástica, trajo el formato “directo de artista” a la Argentina con Arte Sí-Supermercado de Arte. En 2012, lanzó BADA-Boutique de Arte Directo de Artista en Pilar. Esta feria se creó para promover la difusión del Arte Contemporáneo ante el público en general. BADA se instaló como un nuevo polo de Arte en el mercado local; constituye un encuentro más sencillo y directo entre los artistas y quienes aprecian su obra. Esta propuesta ha potenciado el acercamiento de gente que no frecuenta el circuito de galerías de arte o remates, pero valora el arte en sus diferentes manifestaciones y le interesa adquirir obra de un modo más fácil y espontáneo.

BADA es un nuevo canal de difusión de arte contemporáneo que se integra a la dinámica tradicional de divulgación del Arte en nuestro país. Más de 50.000 personas conocieron BADA, su propuesta de encontrar obras “directo de artista” y las producciones más destacadas de artistas contemporáneos. 

En BADA, los artistas ilusionados comparten con el público un instante clave en el proceso creativo de sus obras. Los visitantes se entusiasman con el hecho de conocer personalmente a los artistas, hablar sobre su obra, vivir una experiencia muy original de apreciación del arte con la posibilidad –el valor- de acercarse a esos genios creadores.

Bada 2016 del 1 al 4 de septiembre

¿Cómo 'El Principito' llegó a la vida animada

¿Cómo 'El Principito' llegó a la vida animada
Por Mekado MURPHY para New York Times

Una escena de "El Principito". CréditoNetflix

Cuando se le preguntó al director Mark Osborne para adaptarse populares 1,943 novela de Antoine de Saint-Exupéry "El Principito" en una película de animación generada por ordenador, se mostró escéptico sobre las posibilidades de éxito.

"Le dije que no, no hay manera que usted puede hacer una gran película de animación CG-cabo de este libro", dijo Osborne durante una entrevista. "Es tan delicado y poético."

"El Principito" es la historia perdurable de un niño de un asteroide lejano que, a través de sus viajes, descubre lo que es importante en la vida. Como el Sr. Osborne, uno de los directores de la película "Kung Fu Panda", pensado más en el libro y el impacto que hizo en él, decidió que podía contar la historia utilizando tres estilos de animación distintas para traer las páginas del libro a la vida . Y amplió la narrativa para incluir una niña de leer la historia por primera vez.

He aquí un vistazo más de cerca a las técnicas utilizadas para adaptar "El Principito", que se abrió en los cines el viernes y está disponible en Netflix.

Foto

Una escena de "El Principito", con la Niña, la voz de Mackenzie Foy. CréditoImágenes de Netflix

CG Animación

La historia de la película se centra en la Niña (Mackenzie Foy) y su madre esfuerzo (Rachel McAdams), que ha puesto en marcha un plan de vida rígida que la niña se convierta en un "maravilloso adulta." Ellos viven en un hogar de molde, con interiores bañados en grises grises y azules.

"CG es realmente bueno en replicar y duplicar hasta el horizonte, y jugamos con la de la creación de la zona", dijo Osborne. "Cada casa es casi el mismo, y se obtiene la sensación de repetición, una, geométrico, confinando mundo matemático."

Una escena de la película dirigida por Mark Osborne, en los cines y en Netflix.

Por Netflix en Publicado el5 de agosto de 2016. Foto por Netflix. Ver en Times vídeo »

Pero entonces, la niña se encuentra con su vecino de al lado, el aviador (Jeff Bridges), que vive en una casa plagada de árboles, flores y estallidos de colores cálidos que ayudan, junto con la historia del Principito que se refiere a la Pequeña chica, para desbloquear su imaginación.

"El hogar del aviador se inspiró en gran medida por el trabajo de Miyazaki," dijo, refiriéndose a la animación ganador del Oscar, Hayao Miyazaki. "Es como un museo de esta niña llega a explorar para tener una idea de este otro universo creativo."

Foto

Arriba, una escena de la parte inferior "El Principito.", Una mirada en el proceso de animación de papel para la escena. CréditoTop: Netflix.En pocas palabras: Anthony Scott.

Recorte de papel de Animación

Cuando la niña recoge la historia por primera vez y comienza a leer, un avión se sumerge en el papel en sí mismo y en un mundo de recorte.

"Es de hojas planas de papel, pero fotografió con la dimensión", explicó el Sr. Osborne. La imagen superior muestra el conjunto, con capas de papel establecieron una detrás de la otra, donde se fotografió la escena avión. Jamie Caliri, director creativo de stop-motion de la película de animación cuyos trabajos con papel incluido un anuncio de United Airlines llamado "Dragón", se forjó esta técnica.

"Yo quería sentir como la niña estaba aprendiendo a usar su imaginación, a partir de una hoja de papel", dijo Osborne. "Jamie se le ocurrió esta idea de la transición lentamente, de modo que estamos cada vez más dimensiones usando los espacios planos." Las dunas de arena y otras piezas de ajuste están todos representados con papel plano hasta el momento en que el pequeño príncipe viene en pantalla. La historia se mueve entonces a la plena títere dimensiones de stop-motion.

Foto

Una escena de "El Principito", dirigida por Mark Osborne. De créditoNetflix

Animación stop-motion

Las aventuras del pequeño príncipe se ejecutan utilizando una técnica escasa, stop-motion. El Sr. Caliri y su equipo trabajaron para hacer las marionetas de la secuencia fuera del papel, algo que el Sr. Osborne dijo que no se le hubiera ocurrido.

"Cada tiro en stop-motion donde el personaje está actuando, que tendría que reconstruir el vestuario después porque se rompiera y rasgar," dijo el Sr. Osborne. "Pero está en consonancia con uno de los temas principales de la historia, que es que cualquier cosa bella es efímero."

El Sr. Osborne vio esta delicada técnica como la forma ideal para visualizar una historia delicada.Dijo que cuando algunas personas vieron por primera vez esta sección, pensaron que era CG pretendiendo ser stop-motion.

Museo Nacional de Arte Decorativo presenta "Palacio Errázuriz Alvear. Memorias de un proyecto"

Museo Nacional de Arte Decorativo presenta "Palacio Errázuriz Alvear. Memorias de un proyecto"

El libro con la historia documental de la concepción de su sede

Luego de un siglo de su concepción, 130 páginas documentan

la historia de la construcción del Palacio Érrázuriz Alvear, entre 1910 y 1918.

Reproducción de planos originales, fotografías y manuscritos utilizados

para edificar y decorar el palacio, actual sede del museo.

Un minucioso trabajo de investigación, registro y restauración documental realizado por el equipo del Museo Nacional de Arte Decorativo,

liderado por el Lic. Hugo Pontoriero, jefe del área de Museología y curador de la casa.

El Museo Nacional de Arte Decorativo (MNAD) presenta el libro “Palacio Errázuriz Alvear. Memorias de un Proyecto”, resultado de un meticuloso trabajo de investigación llevado a cabo por el equipo de profesionales del propio museo, encabezado por su jefe de Museología y curador, el Lic. Hugo Pontoriero.

Con prólogo del Arq. Alberto Bellucci, director del MNAD, y textos del Lic. Hugo Pontoriero, la publicación explica y documenta las diferentes instancias de la construcción del palacio, una creación del Arq. René Sergent y el genio de otros profesionales de la época que se dedicaron a los detalles de ambientación e interiorismo de los distintos espacios: André Carlhian, Georges Hoentschel, Georges Nelson, el paisajista francés Achille Duchêne y el aporte del artista catalán José María Sert, que en 1919 diseñó el antiguo recibo de Matías Errázuriz Alvear con influencias Art Déco y orientales.

El libro propone un viaje al pasado -hacia 1918-, año de la inauguración de la casa de la familia Errázuriz Alvear que aún se preserva intacta hasta nuestros días, y devela los secretos del edificio: anécdotas, estilos, proyectos inconclusos... nunca publicados hasta la fecha.

El Palacio Errázuriz Alvear fue concebido como “Grand Hôtel Particulier”, tipología francesa muy solicitada a principios del siglo XX. Un edificio de 4.300 m2 distribuidos en cuatro plantas con funciones bien precisas, características propias y niveles de ornamentación diferenciados. El dueño de casa, Don Matías Errázuriz Ortúzar lo mandó construir para albergar las numerosas –y exquisitas- obras de arte que había atesorado en sus viajes como Embajador de Chile en diversos países.

Refiriéndose a la concepción del palacio, en sus memorias de 1937, Errázuriz manifiesta: “No ha sido fácil dar su verdadero sitio, su apropiada luz, destacar cada objeto. Para ello fue preciso deliberar largamente. Pero se consiguió, tras mucho ensayar, un excepcional conjunto de arte en el que se mezcla lo antiguo con la obra moderna de talentosos pintores, escultores y decoradores…”

Por su parte, el Arq. Sergent expresó alguna vez al señor Embajador: “Andando en el tiempo, Usted verá su ideal realizado, Buenos Aires poseerá algo así como la Wallace Collection de Londres, un Museo de Artes Decorativas…”

Este libro, editado por el Museo Nacional de Arte Decorativo, es producto de un análisis formal, estilístico e iconográfico sobre la arquitectura interior, en relación con las colecciones de arte de la familia Errázuriz, a través de planos de época, fotografías históricas y diversos documentos procedentes de los archivos curatoriales del MNAD.

La publicación e impresión del libro fue financiada por el Banco Hipotecario
a través del Programa de Mecenazgo del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.
El libro "Palacio Errázuriz Alvear. Memorias de un Proyecto" será enviado a bibliotecas públicas y privadas​ del país.
Esta publicación se puede adquirir exclusivamente en el shop del MNAD (Av. Libertador 1902, subsuelo – CABA).
El objetivo de la publicación
· Promover las investigaciones de base referidas a la temática del Museo, publicando la historia del Palacio Errázuriz Alvear -sede del MNAD- sus comitentes, arquitectos y decoradores.
· Documentar las diversas etapas del diseño y la construcción del edificio del MNAD -declarado Monumento Histórico Artístico Nacional en 1998- a fin de preservar su memoria material como tipología arquetípica e irremplazable.
· Difundir los archivos curatoriales del MNAD, compuestos por planos originales, fotografías y manuscritos de época, a fin de que el público interesado pueda acceder a dicho acervo patrimonial, propiedad de la Nación.
Estructura de la publicación
- Prólogo del Director del Museo: Arq. Alberto Bellucci
- Investigación y textos: Lic. Hugo Pontoriero (jefe Departamento Museología MNAD).
- El Palacio Errázuriz Alvear, de hôtel particulier a Museo Nacional.
- Los Errázuriz, arquetipo de una clase.
- Fachadas y Vestíbulo / René Sergent.
- Jardines / Achille Duchêne.
- Antecámara, Escritorio, Salón de Madame y Salón de Baile / André Carlhian.
- Gran Hall Renacimiento / Georges Nelson.
- Salón Comedor y Jardín de Invierno / Georges Hoentschel.
- Primer piso / André Carlhian: Departamento de Matías Errázuriz Ortúzar. Salón de familia, Departamento de Matías Errázuriz Alvear.
- Salón Sert. Departamentos de Josefina de Alvear de Errázuriz y de su hija Josefina Errázuriz Alvear.
- Ancalú, el campo de los Errázuriz.
- Secuencias técnicas: Mariana Astesiano, Graciela Razé (Conservación y Restauración MNAD)
- Colección de planos del MNAD: listado de obra.

- Bibliografía consultada.

Sobre los Encuentros Abiertos- Festival de la Luz en Argentina

Sobre los Encuentros Abiertos- Festival de la Luz en Argentina

Los Encuentros Abiertos-Festival de la Luz son un inmenso conjunto de actividades relacionadas con la fotografía artística internacional, que -cada dos años- se lleva a cabo en Argentina, de acceso libre y gratuito. Constituye uno de los principales eventos internacionales de fotografía que tiene lugar en Latinoamérica y cuenta con más de un cuarto de siglo de trayectoria.

Se trata de la cuidada presentación de exposiciones de fotógrafos nacionales y extranjeros en distintos museos, centros culturales y espacios de arte de todo el país.

Organiza proyecciones, conferencias, ciclos de cine; talleres, presentaciones de libros, convocatorias fotográficas y concursos; así como un Foro de Portfolios: encuentros entre fotógrafos y curadores, críticos especializados, coleccionistas, editores y directores de instituciones interesadas en la imagen fotográfica como medio de relevancia artística, cultural y social.

Inauguración Oficial: Lunes 8 de agosto a las 18.30hs

Lugar: El Cultural San Martin, Sarmiento 1551

La primera edición se celebró en Buenos Aires en 1989 con el propósito de crear un espacio de intercambio y comunicación entre fotógrafos de todas las disciplinas, lugares y orígenes.

Desde el 2000 está asociado al Festival of Light, una agrupación de 23 festivales de fotografía de todo el mundo, con el objetivo de crear lazos internacionales de cooperación, en un permanente y enriquecedor intercambio de miradas. Esta colaboración internacional en la que participan países como Estados Unidos, Canadá, México, Brasil, Francia, Alemania, Dinamarca, Finlandia, Portugal, Italia, Gran Bretaña, Suiza, Rusia, Lituania, Australia y Corea entre otros, tienen una web común: www.festivaloflight.net, una brochure común, un logo común y un importante intercambio de exposiciones.

En el Festival de la Luz 2014 concurrieron a visitar las 178 exposiciones y actividades de 500 artistas de 31 paises, que se realizaron en 44 ciudades de Argentina además de en Salamanca, España, más de 2.000.000 personas y la prensa le dió una amplia difusión, dado que se trata del único evento cultural, gratuito, internacional y convocante que realiza el Arte Fotográfico en Argentina.

Los Encuentros Abiertos han sido declarados desde 1993 de Interés Nacional por la Presidencia de la Nación, de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura de la Nación, de la Ciudad de Buenos Aires y de varias provincias participantes. Desde 2010 el Ministerio de Cultura de Buenos Aires auspicia el evento y lo ha declarado Proyecto aprobado por Mecenazgo. También está patrocinado por las Secretarías de Cultura de Tigre y San Juan.

Edición 2016

La nueva edición de los Encuentros Abiertos-Festival de la Luz, tendrá lugar del 1 de agosto al 30 de septiembre de 2016 en Argentina.

En 62 espacios, de 25 ciudades de todo el país, se presentarán 110 muestras de más de 300 autores provenientes de 26 países

Entre los autores internacionales que expondrán en distintos museos, centros culturales y galerías de arte podemos mencionar a Katharina Gaenssler (Alemania), Gerard O’Connor y Marc Wasiak (Australia), Rogerio Reis (Brasil), Tomás Munita y Mauricio Toro Goya(Chile), Wei Bi(China), Santiago Escobar-Jaramillo (Colombia), Kent Krugh(Estados Unidos), Jhoane Baterna-Patena (Filipinas), Jadikan (Francia), Andrea Valsecchi(Italia), Pablo Ortiz Monasterio (México), Mariya Kozhanova (Rusia), István Borbás(Suecia - Hungría), Werner Bischof (Suiza) con la organización del Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco, Roberto Fernández Ibañez (Uruguay), 7 artistas de Hong Kong con la curaduría de Chun Wai y varios autores Coreanos.

En esta edición el País invitado es Corea.

Asistirán a Buenos Aires 2 de los expositores, Goseong Choi y Hosang Park y el curador de las proyecciones y conferencista Jae-hyun Seok, con los aupsicios de la Embajada de la República de Corea y el Centro Cultural Coreano.

Entre los autores argentinos cabe destacar la presencia de Sara Facio, Esteban Pastorino, Daniel Muchiut, Fernando Di Sisto, Eduardo Saperas, Gaby Messina, Jorge Luis Campos, Marcos Zimmermann, Oscar Pintor y Andres Wertheim entre muchos otros.

También se realizaron varias Convocatorias regionales de donde surgieron muestras individuales y colectivas que se exponen en diferentes lugares del país.

Las exposiciones Surgieron a partir de:

- la Convocatoria General, a la que se presentaron 580 artistas de 33 países

- las Revisiones de Portfolios realizadas en Francia, Dinamarca, Rusia, China, EEUU, Colombia, Chile y Brasil

- Artistas invitados especialmente para esta edición

- Curadores invitados

- Convocatorias regionales

TEMA: “Rastros de Irrealidad”

“Una de las definiciones de cordura es la capacidad de distinguir lo real de lo irreal. Pronto necesitaremos una nueva definición”

Alvin Toffler

En un mundo donde hacer humor -o ir en busca de la verdad- puede ser peligroso, la irrealidad se enreda y entreteje con los hechos cotidianos. Es preciso pensarlo y repensarlo para que el asombro no se lleve puesto lo real, para que no nos gane el engaño, ni nos venza la desilusión, para saber que podemos construir castillos en el aire mientras no pretendamos habitarlos.

La fotografía, a través de sus autores, puede aportar muchas irrealidades diferentes porque qué es la irrealidad sino una realidad distinta... Otro punto de vista. Otra lectura. Otra opinión. Otro sueño…

Hay irrealidades que lastiman: pretender combatir la violencia con más violencia, arriesgarse sin medir las consecuencias, desechar alimentos por demandas del mercado en un mundo donde el hambre abunda, alterar las estadísticas, disfrazar los acontecimientos. Los totalitarismos, las guerras, los fanatismos, la locura.

Pero también hay irrealidades que nos permiten seguir adelante, sueños sobre los que se empieza a construir un camino mejor, esperanzas hacia metas posibles.

E irrealidades que vuelven más amable el tránsito por la vida: la literatura, el teatro, el cine, la música.

Hoy tenemos muchos amigos por Internet, muchos más de los que podríamos tener de carne y hueso, nos comunicamos con cualquier lugar del mundo, a cualquier hora y en forma inmediata. Pero ¿estamos más cerca?

Consumimos productos que solo nos generan nuevas necesidades, los chimentos de la farándula desplazan a los talentosos, el vértigo de la noticia convierte en efímero lo trascendente. Nos sentimos bien porque donamos computadoras usadas a países del tercer mundo, que se convierten en el mismo acto en chatarra electrónica y asistimos atónitos a la explosión de una burbuja inmobiliaria o a las más inverosímiles oscilaciones del precio del petróleo.

La fotografía da cuenta, relata, expresa y es una enorme posibilidad de acercarnos a los más diversos matices de los “rastros de irrealidad”, tema al que convocamos a los autores de todo el mundo.

Elda Harrington-Silvia Mangialardi

ACTIVIDADES

Foro Internacional de Portfolios

Coordina: Abraham Votroba

Con la presencia de 17 curadores de 12 países especialmente invitados, entre directores de museos, directores de festivales, galeristas, curadores y coleccionistas y de 10 revisores nacionales, se llevará a cabo esta actividad. El Foro de Portfolios es una actividad dirigida a los fotógrafos que deseen aumentar las posibilidades de difusión y venta de sus obras, realizando entrevistas personales con expertos quienes pueden contribuir en ello; previa inscripcion en

http://encuentrosabiertos.com.ar/inscripcionypremios.php

Conferencias

Coordina: Adrián Rocha Novoa

Se realizarán distintas conferencias en Buenos Aires, Salta, y Jujuy

Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti

- Pablo Oriz Monasterio (México) “Desaparecidos? ”

Sábado 13 de agosto 18 hs Haroldo Conti

Av del Libertador 8151

Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori

- Chun Wai ( China) " Exploring the Unfamiliar Asian Photography"

Miércoles 10 a las 17 hs en Museo Sívori

Av. Infanta Isabel 555

Centro Cultural Coreano

- Jae Hyun-Seok (Corea) “Fotografía coreana contemporánea”

Viernes 12 a las 18 hs en Centro Cultural Coreano

Av Coronel Diaz 2884

Alianza Francesa, sede central

- Jadikan ( Francia ) “Introduction to lightpainting”

Lunes 8 de agosto 16 hs.

Av Córdoba 946

MAC-Salta y Centro Cultural Héctor Tizón, SS de Jujuy

-Esteban Pastorino “"PRUEBA Y ERROR, la experimentación técnica como parte del proceso fotográfico"

- Mariano Manikis “La noche es una creación del hombre”

- Arturo Aguiar “El extrañamiento de la luz”

Ciclos de cine

Cine Alemán

"Universos de la fotografía alemana"

Se exhibirá en el Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti

Dirección: Av. libertador 8151, CABA

Entrada: Libre y gratuita

Con el auspicio de la Embajada de Alemania y del Goethe- Institut

1. El ciclista (Radfahrer)

Director artístico: Marc Thümmler, b/n, Digi Beta, 28’, 2008

2. Schadeberg negro-blanco (Schadeberg - Schwarz-Weiss)

Dirección: Peter Heller, color, 52’, 2009

3. Bernd y Hilla Becher, fotógrafos (Die Fotografen Bernd und Hilla Becher)

Director artístico: Marianne Kapfer, color y n/b, 90’, 2010

4. Foto: Ostkreuz

Director artístico: Maik Reichert, color, 80’, 2015

Se exhibirá en el Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti

Cine Francés

"Maestros de la fotografía"

Se exhibirá en el Auditorio de la Alianza Francesa, sede central

Dirección: Av. Córdoba 946

Entrada: Libre y gratuita

Con el auspicio de la Alianza Francesa y el Institut Française

1. Le voyage des derniers descendants de Daguerre

Dirección: José Maria Tapias Ospina, 2001, 54 ‘

2. Willy Ronis, autoportrait d'un photographe

Director: Michel Toutain, 2003, 55’

3. Doisneau des villes, Doisneau des champs

Director: Patrick Cazals, 1993, 55’

4. Contacts: Édouard Boubat

Director: Roger Ikhlef , 1993, 13’

5. Jan Saudek, Prague

Director: Jérôme De Missolz, 1990, 26’

6. Le Sel de la Terre

Director: Wim Wenders, Juliano Salgado, 2014, 110’

Proyección especial

Grete, la mirada oblicua.

Sábado 10 de septiembre, 18 hs.

Dirección: Pablo Zubizarreta y Matilde Michanié. / Argentina/ 2016 / 105 minutos

Grete Stern elige ser fotógrafa. Después también elige ser argentina y entrelaza ambas elecciones para dejarnos de herencia un archivo único, original y privilegiado de imágenes de nuestro país. Esas fotografías tienen hoy el valor de un registro perdurable destinado a comprender el mundo en el que vivimos y los mundos internos que nos atraviesan. Su obra fotográfica abarca universos distintos, olvidados, ocultos, delicados, sinuosos, extraordinarios. Este documental reseña su obra, pilar fundacional de la fotografía argentina moderna.

Se exhibirá en el Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti

Workshops

Se dictarán en agosto varios workshops a cargo de reconocidos maestros, previa inscripción en talleresfestivaldelaluz@gmail.com

Coordina: Sol Miraglia

Dónde: EAF-Escuela Argentina de Fotografía.

Dirección: Campos Salles 2155 CABA

-Ataúlfo Pérez Aznar “Taller sobre libros fotográficos”

Sábado 13 y Domingo 14 de agosto de 15,30 a 18,30 hs

-Frank Rodick “Creatividad, parte 1 ”

Sábado 6 de agosto de 14 a 18 hs.

- Frank Rodick “Creatividad, parte 2”

Domingo 7 de agosto de 14 a 18 hs.

- Esteban Pastorino " Procesos Fotográficos Alternativos"

Domingo 14 de agosto de 10 a 15 hs .

-Jadikan ( Francia) ‘Introducción al Lightpainting, hacelo vos mismo !”

sábado 6 de agosto 18 a 21 hs.

Todos los workshops se realizan en la EAF-Escuela Argentina de Fotografía.

Campos Salles 2155 CABA

Inscribirse en talleresfestivaldelaluz@gmail.com

Cronograma de Actividades

INAUGURACIONES BUENOS AIRES 

JULIO 

Jueves 28 19hs Mundo Nuevo Gallery Art, Buenos Aires Ciudad

ANDRES WERTHEIM “Alter Ego”

FERNANDO DI SISTO “Serie UNO” 

Sábado 30 20hs Fotogalería 22 – Chivilcoy, Provincia de Buenos Aires

HECTOR POSSETTO Jacinto: “Esclavo de San Nicolás” (2012 - 2013) 

19hs Casa Florida Galería, Vicente López, Provincia de Buenos Aires

FLORENCIA TRINCHERI “Carácter” 

AGOSTO 

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WERNER BISCHOF (Suiza) “100 años: Viaje por América” 

 

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Fotografía Mexicana – Colectiva

ALEJANDRO CARTEGENA, DULCE PINZÓN, MAYRA MARTELL, MÓNICA GONZALEZ

La animación de la vida de Van Gogh con 62.450 pinturas al óleo

La animación de la vida de Van Gogh con 62.450 pinturas al óleo
Por Joanna BERENDT para new York Times

El pintor Bartek Armusiewicz en el trabajo sobre cels petróleo pintadas de "Amar Vicente,"
una película de animación que se hizo en Polonia sobre Vincent van Gogh. CréditoPiotr Malecki para The New York Times

GDANSK, Polonia - Un proyecto que atrevidamente se dispuso a llevar a las pinturas icónicas de la vida - muchos de ellos creados en un solo día - ha demostrado ser un esfuerzo cinematográfico asombrosamente laborioso..

Los creadores de "Amar a Vicente", una película biográfica sobre Van Gogh , dicen que es el primer largometraje de animación para ser hecho enteramente de pinturas al óleo sobre lienzo - un asombroso 62.450 de ellos - todos los cuales se derivan ya sea del original del artista obras, como " La noche estrellada " y " terraza del café en la noche ," o están fuertemente inspirado por sus distintivos, pinceladas gruesas.

El mundo tiene una oportunidad única de este trabajo en progreso cuando un trailer impresionante 

fue publicada en línea en febrero, convirtiéndose en una sensación de noche con 115 millones de visitas en Facebook. Lo que los televidentes no vieron los muchos era la mano del hombre detrás del proyecto.

De los 95 pintores que participan, 65 llegan todos los días a un enorme hangar sofocante en la Ciencia y Tecnología de Gdansk Parque aquí en el norte de Polonia, a re-imaginar, en medio de espesos vapores de pintura al óleo, lienzos de Van Gogh.

El mes pasado, el hangar, lleno de filas y filas de cubículos donde los artistas trabajaban, era en su mayoría en silencio, excepto por el sonido de los ventiladores. Aún así, se cargó la atmósfera.

"¿Qué está pasando aquí nunca puede volver a ocurrir", dijo Hugh Welchman, un productor británico que junto con su esposa, Dorota Kobiela, un pintor y director de cine polaco, ha estado dirigiendo "Amar Vicente."

El pintor polaco Jerzy Lisak, de 39 años, en los últimos dos años ha pintado más de 400 cuadros, o cels, y estuvo de acuerdo en que la enorme cantidad de esfuerzo que supone puede hacer de esta la primera y última vez para tal empresa.

"Está claro que se trata de una realización de un sueño", dijo, que trabaja en una vista de una habitación en el Auberge Ravoux, donde Van Gogh vivió al final de su vida.Foto

Julia Reshetnik prestación de un cel para la película que cuenta con la actriz Saoirse Ronan.CréditoPiotr Malecki para The New York Times

La Sra Kobiela, quien ha realizado varios cortos de animación en un país que cuenta con una gran variedad de animadores consumados, suministra la visión. Después de volver a leer las cartas del artista a su hermano Theo, se decidió crear una animación pintada de ocho minutos basado en la obra de Van Gogh.

El Sr. Welchman, cuya "Pedro y el Lobo" ganó el Oscar al mejor corto de animación en 2008, se enamoró no sólo con la Sra Kobiela sino también con su proyecto y la convenció para hacer un largometraje.

"Sabía que iba a ser difícil, rozando la locura", dijo. "Pero Vicente merece más de ocho minutos."

La Sra Kobiela, el rostro entre las manos, todavía parecía abrumado por la magnitud del proyecto.

"Esta misma mañana, me despertó a la nueva música que Mansell había enviado para nuestra película", dijo, refiriéndose a Clint Mansell , el compositor británico que anotó Darren Aronofsky"Réquiem por un sueño". "Una de mis escrituras compositores favoritos música para mi película!Esto es irreal ".

Entre los actores que interpretan a los personajes de las pinturas son el dos veces nominado al Oscar Saoirse Ronan , como la hija de un amigo de Van Gogh el doctor Paul Gachet, así como Aidan Turner como un barquero y Douglas Booth como el hijo de otro amigo, que está buscando en el la muerte del artista.

Eso es clave para la trama de la película. Se profundiza en la vida de Van Gogh y su muerte en 1890, que, según algunos estudios recientes - a saber, Steven Naifeh y la biografía de Gregory White Smith,"Van Gogh: La Vida" - puede haber sido un asesinato, no suicidio.

La Sra Kobiela y su equipo pasaron tres años desarrollando su técnica de pintura, que utilizaron para reimaginar 125 de las obras de Van Gogh. acción en vivo también estaba involucrado. En primer lugar, los actores fueron filmados, ya sea contra una pantalla verde o en conjuntos construidos para parecerse a las pinturas. Esa filmación, luego se convirtió en un punto de referencia para los artistas, que pintaron sobre él con pigmentos al óleo, cuadro por cuadro.

Una técnica similar se utilizó en Alexander Petrov de 1999 "El viejo y el mar", que ganó el Oscar al mejor corto de animación.

Cada una de las 1.009 tomas establecidas en "Amar Vicente" requiere una nueva pintura al óleo. Para hacer que el fluido aspecto de animación, cada segundo de la película casi 87 minutos necesita consistir de 12 cuadros pintados a mano. La creación de un marco de toma de una hora a dos días, lo que significa que un pintor puede pasar casi un mes en un solo segundo de la película.

Foto

Bartek Armusiewicz en el trabajo sobre un cel de "Amar Vicente," una película de animación que se hizo en Polonia.

Crédito

Piotr Malecki para The New York Tim

Al final, habrá 62.450 marcos, cada uno de ellos pinturas al óleo sobre lienzo complejas.

Hay, sin embargo, decenas de miles de marcos aún por delante y no mucho tiempo si la película va a ser liberado, como estaba previsto, aquí en octubre. (Los productores quieren que sea considerado para los próximos premios de la Academia.)

"El mayor desafío ahora es reconciliar mantener la alta calidad de la pintura con nuestra agenda muy apretada", dijo Kobiela.

La producción se ha retrasado varias veces. Uno de los mayores obstáculos ha sido la financiación, ya que los inversores se opusieron a un proyecto tan experimental. En última instancia, los productores tuvieron que trabajar con un presupuesto relativamente modesto $ 5,5 millones. En comparación, la animación por ordenador Pixar hit "Encontrar el Dory" cuesta reportado $ 200 millones de .

A continuación, se redujo la producción cuando el grupo de pintores de formación clásica en Polonia se seca rápidamente, y los productores necesario para buscar en el extranjero para los artistas.Después de que el remolque fue publicada, miles de carteras comenzaron a llegar de todas partes del mundo.